Arte Pittura

A cura di David Sylvester. Ediz.originale in lingua inglese. Milano, Electa- Menil Foundation 1993, cm.25x32, pp.496, centinaia di ill.minimali in bn.nt., legatura ed.in tutta tela, sovraccop.fig.a col., cofanetto. Stato di nuovo. Caratterizzata dal ricorso all'associazione imprevedibile di elementi senza rapporto logico che producono un'atmosfera sognante, la pittura di Magritte rappresenta una delle esperienze artistiche più interessanti di questo secolo. Il volume, terzo di cinque, approfondisce il catalogo completo dell'opera del grande pittore belga, protagonista della stagione surrealista, attraverso l'analisi delle pitture negli anni tra il 1949 e il 1967.

Accompanies the exhibition at the National Gallery, London 1 October 2018 – 27 January 2019 and Gemäldegalerie, Staatliche Museen zu Berlin 1 March – 30 June 2019. With contributions by Andrea De Marchi, Jill Dunkerton, Babette Hartwieg, Katharina Weick Joch. National Gallery Publications 2018, cm.24x28, pp.304, ill.col. paperback cover colour. Andrea Mantegna (c. 1431–1506) and Giovanni Bellini (active c. 1459; died 1516) each produced groundbreaking paintings, marked by pictorial and technical innovations, that are among the masterpieces of the Italian Renaissance. Exploring the fruitful dynamic between Mantegna’s inventive compositional approach and interest in classical antiquity and Bellini’s passion for landscape painting, this fascinating volume examines how these two artists, who were also brothers-in-law, influenced and responded to each other’s work. Full of new insights and captivating juxtapositions—including comparisons of each of the artist’s depictions of the Agony in the Garden and the Presentation to the Temple—this study reveals that neither Mantegna’s nor Bellini’s achievements can be fully understood in isolation and that their continuous creative exchanges shaped the work of both.

A cura di Daniele Astrologo Abadal. Dominioni Editore 2022 cm,.21x29,5, pp.208 ill a colori. brossura copertina figurata a colori. Una personale per non dimenticare. Forse, dopo sessanta anni dalla morte di Ugo Bernasconi, è arrivato il tempo di sanare un vecchio debito che Cantù aveva nei confronti di questo artista poliedrico: organizzare una personale, in forma antologica e sistematica, per far conoscere la sua prolifica attività di pittore e scrittore. Tre sono le tematiche scelte dal comitato scientifico su indicazione dell'esperto critico Daniele Astrologo Abadal: il ritratto, la natura morta, il paesaggio.

Venezia, Museo Correr, Reggia Neoclassica,13 febbario-29 maggio 2005. A cura di G.Romanelli. Milano, Skira Ed. 2005, cm.22x29, pp.192, numerose figure a colori, brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Nel quadro dell'arte italiana del XVI secolo, Veronese è il pittore "profano" per eccellenza, in quanto compendia in sé entrambe le grandi tradizioni pittoriche che maggiormente hanno influenzato la storia della pittura di carattere profano del Cinquecento: la tradizione toscano-romana e quella veneziana. Nel complesso Veronese esprime una visione laica e progressista che lo porta a scontrarsi con le autorità ecclesiastiche (come attestano i documenti e le testimonianze oggetto di approfondita disanima in questo volume), tanto da assurgere a vero e proprio simbolo dell'arte moderna. Il volume è il catalogo della mostra di Parigi (Musée du Luxembourg, 22 settembre 2004-30 gennaio 2005) e di Venezia (Museo Correr, 18 febbraio-13 giugno 2005).

Milano, Motta 24 Ore Cultura 2012, cm.15,5x21,5, pp.80, num.figg.a col. legatura ed.cop.fig.a col. Coll.I Misteri dell'Arte. Ciò che conosciamo della vita di Hieronymus Bosch non lascia presagire l'esplosione di fantasia, le demoniache bizzarrie della sua opera. La destinazione e la funzione delle sue opere più importanti rimangono tuttora un mistero irrisolto. A che cosa servivano i trittici popolati da una brulicante marea di figure? Chi poteva immergersi in quell'universo di simboli, di rimandi, di allusioni? "Il Giardino delle Delizie", capolavoro assoluto del pittore, è ancora legato all'immaginario gotico ma insieme già si affaccia sulle straordinarie novità del Cinquecento... compresa quella delle grandi scoperte geografiche nelle Americhe, dai Caraibi al Brasile, e nell'Africa meridionale: mistero ulteriore e non ultimo di un dipinto tra i più enigmatici e affascinanti dell'intera arte europea.

Paris, Editions Hyperion 1949, cm.24x32, pp.168 ill.bn.e tavole a colori applicate. legatura editoriale, copertina cartonata, cofanetto.

Koln, Konemann 1997, cm.27,5x32, pp.120 ill.a colori. legatura editoriale, sopraccoperta figurata a colori. Coll.Maestri dell'Arte Italiana.

Genova Palazzo Ducale. Milano, Skira 2005, cm.22,5x28,5, pp.208 ill.a colori. legatura editoriale copertina figurata a colori. I decenni a cavallo del Novecento vedono i musei statunitensi impegnati, con tipico spirito americano, in una vera e propria competizione per la formazione delle raccolte più complete, l'acquisizione di opere-chiave, la scoperta e la valorizzazione di artisti antichi e moderni. Il Detroit Institute of Arts, aperto nel 1885 e più volte ampliato e rinnovato nel corso dei suoi centotrenta anni di storia, è da sempre l'epicentro della gloria cittadina e già agli inizi del secolo scorso era considerato l'avamposto e la principale via di accesso delle avanguardie europee negli Stati Uniti. Il gusto e l'esperienza di William R. Valentiner, direttore storico del museo, hanno consentito scelte collezionistiche di altissimo livello, mentre Robert H. Tannahill, un'altra figura di straordinaria importanza, ha lasciato numerose opere d'arte e un ingente fondo per il costante accrescimento delle collezioni. Grazie alla convergenza tra il mecenatismo dei privati, fra cui la famiglia Ford, e la lungimirante direzione, il Detroit Institute of Arts è saldamente collocato tra i massimi musei degli Stati Uniti.

Milano, Il Sole 24 Ore 2007, cm.23x29, pp.310, ill.colori. brossura copertina figurat a colori. Coll.I Grandi Maestri dell'Arte. L'artista e il Suo Tempo. Il Salon d'Automne di Parigi del 1905 tenne a battesimo l'esordio ufficiale di un piccolo gruppo di giovani artisti accomunati da un percorso formativo analogo, dall'amore per la luce calda e le ombre lunghe del Midi, dal costante riferimento alla ricerca pittorica di Cézanne. Riuniti in un'unica sala, i loro paesaggi, ritratti e idilli domestici abbagliarono visitatori e recensori. Per definirne l'eccentricità formale e denotarne la carica eversiva, il critico Louis Vauxcelles coniò una delle formule più celebri della storia dell'arte novecentesca: "fauves", selvaggi della moderna scena parigina. Spietata fedeltà alla percezione retinica, traduzione del dato visivo in termini di toni e timbri cromatici, composizioni sghembe furono interpretate da Matisse, Derain, Braque, Friesz, Camoin, Marquet, Van Dongen, Dufy come l'antidoto necessario alle derive di fine secolo: al facile realismo, da un lato, e alla dogmatica scienza del colore divisionista, dall'altro. Ma in assenza di un programma o di una base teorica, il gruppo si disperse a brevissimo giro in ricerche differenti, talora contraddittorie. Derain, dopo un fortunato sodalizio con Matisse, scopri al British Museum di Londra l'arte primitiva e ne sposò eleganze e monumentatila, in un percorso di progressivo avvicinamento all'esperienza coeva di Picasso. Braque accentuò, insieme a Friesz, la cifra accattivante dei suoi paesaggi portuali, per poi tornare decisamente sui suoi passi e approdare alla solidità e al cromatismo ribassato del cubismo, di cui sarà, con Picasso, tra i protagonisti riconosciuti. Camoin, Dufy e Marquet adottarono per i loro intimi quadretti bagnati dalla luce mediterranea formule garbate, di immediata presa sul collezionismo internazionale, in particolare russo. Van Dongen piegò le accensioni di colore tipiche dei fauve a un repertorio affollato di personaggi circensi, scene mondane, nudi, secondo una cifra aggressiva, quasi pre-espressionista, che ne avrebbe dettato la fortuna soprattutto in Germania. Solo Matisse, nel corso di tutta la sua carriera, tornò a più riprese a interrogare l'esperienza fauve, per discuterne i presupposti e rileggerne le acquisizioni. Ripercorrere le sue opere principali, da Luxe, calme et volupté (1904) fino alla cappella di Vence (1948-52), attraverso le serie degli anni Trenta, la decorazione Barnes e i papiers découpés, significa in questo senso confrontarsi con un percorso di ostinata, inattaccabile fedeltà al colore, e all'irrisolta tensione tra colore e disegno: perché "il colore - avrebbe detto Matisse verso la fine della vita - è una liberazione".

Firenze, Giunti 2006, cm.16,5x26, pp.116 ill.a colori. brossura copertina figurata a colori. Coll.Vita d'Artista.

London, Thames & Hudson 1996, cm.15x21, pp.208, 185 ill. 30 in colour. brossura copertina figurata. Coll.Worls of Art.

A cura di Renata Cipriani. Milano, Rizzoli 1962, cm.12,5x18, pp.96, 176 figg.bn.nt. legatura editoriale cartonata, sopraccoperta figurata a colori. Biblioteca d'Arte Rizzoli,22,23.

Prato, Museo Civico 1994, cm.21x30, pp. circa 100 con 94 illustrazioni a colori, brossura, sopraccoperta. Collana Monografie del Museo Civico di Prato,

Collections of the City Art Gallery. Roma, De Luca 1982, cm.21x24, pp.80, 99 ill.bn.e col.nt. brossura cop.fig.a col. Testo in inglese.

Pontedera, 8 Dicembre 2018-28 Aprile 2019. A cura di Maurizia Bonatti Bacchini, Filippo Bacci di Capaci. Pontedera, Bandecchi & Vivaldi- Tagete 2018, cm.24x30, pp.246 ill.a colori. brossura copertina figurata a colori. Catalogo realizzato in occasione della mostra allestita al Palazzo Pretorio di Pontedera (PALP) dal 8 Dicembre 2018 al 28 Aprile 2019. La mostra è incentrata sulle opere di artisti italiani del primo Novecento, inquadrabili generalmente ma non esclusivamente nella corrente del Liberty. Il catalogo, oltre a riprodurre le opere presenti nella mostra tra cui spiccano quelle del pittore, decoratore, grafico e ceramista Galileo Chini, si avvale dei contributi critici di molti esperti che analizzano le implicazioni dell'arte del Chini e il suo legame con altri movimenti artistici del primo Novecento.

Novara, Istituto Geografico De Agostini 1979, cm.24,5x34, pp.224, 230 figg.bn.32 tavv.a col.nt. legatura editoriale cartonata, sopraccoperta figurata a colori.

Fotografie di G.Cigolini. Novara, Ist. Geografico De Agostini 1981, cm.17x25, pp.76, num.tavv.a.col.nt. legatura ed. Coll.Documenti d'Arte.

Milano, Motta 24 Ore Cultura 2012, cm.15,5x21,5, pp.80, num.figg.a col. legatura ed.cop.fig.a col. Coll.I Misteri dell'Arte. Sintesi sublime dell'arte di Piero della Francesca, la "Pala Montefeltro", oggi conservata a Brera, è una delle opere più note della maturità del pittore. Venne realizzata nel raffinato contesto della corte di Urbino, probabilmente per essere collocata sopra la tomba del duca Federico da Montefeltro nella chiesa di San Bernardino. I soldati di Napoleone la portarono a Milano nel 1811 e da allora essa non smette di affascinare e interrogare chi la guarda. Che cosa significa la sua perfetta architettura marmorea? Chi sono veramente i personaggi ritratti? Soprattutto, che cosa ci vuole comunicare l'uovo che pende dalla volta a conchiglia proprio sopra il capo della Vergine Maria? Cercare risposte significherà percorrere un emozionante itinerario alla scoperta degli enigmi di Piero.

Firenze, Sansoni 1966, cm.12x17,5, pp.40, ill.bn.e tavole a colori. brossura copertina figurata a colori. Coll.Diamanti dell'Arte,13.

Milano, Comunità 1983, cm.17,5x24,5, pp.292, 137 tavv.bn.e 20 tavv.a col.nt. legatura editoriale con sovracopertina figurata a colori.

Milano, Leonardo Arte 1999, cm.13,5x21, pp.143, oltre 200 figg.a col.nt. brossura cop.fig.a col. Coll.Art Book,22.

A cura di Isabella Reale. Con un saggio di Gilberto Ganzer ed i contributi di Eugenio Manzato, Alessandro del uppo e Giamluca Tedald Gaspari 2008, cm.21x29, pp.96, ill.bn.e a colori. brossura. Gamudo

Henri Charles Manguin. Albert Marquet. Maurice de Vlaemick. Raoul,Dufy, Kees Van Dongen, Othon Friesz, Charles Camoin, André Derain, Georges Braque. Milano, Il Sole 24 Ore 2007, cm.23x29, pp.340, ill.colori. brossura copertina figurat a colori. Custodia. Coll.I Grandi Maestri dell'Arte. L'artista e il Suo Tempo. Il Salon d'Automne di Parigi del 1905 tenne a battesimo l'esordio ufficiale di un piccolo gruppo di giovani artisti accomunati da un percorso formativo analogo, dall'amore per la luce calda e le ombre lunghe del Midi, dal costante riferimento alla ricerca pittorica di Cézanne. Riuniti in un'unica sala, i loro paesaggi, ritratti e idilli domestici abbagliarono visitatori e recensori. Per definirne l'eccentricità formale e denotarne la carica eversiva, il critico Louis Vauxcelles coniò una delle formule più celebri della storia dell'arte novecentesca: "fauves", selvaggi della moderna scena parigina. Spietata fedeltà alla percezione retinica, traduzione del dato visivo in termini di toni e timbri cromatici, composizioni sghembe furono interpretate da Matisse, Derain, Braque, Friesz, Camoin, Marquet, Van Dongen, Dufy come l'antidoto necessario alle derive di fine secolo: al facile realismo, da un lato, e alla dogmatica scienza del colore divisionista, dall'altro. Ma in assenza di un programma o di una base teorica, il gruppo si disperse a brevissimo giro in ricerche differenti, talora contraddittorie. Derain, dopo un fortunato sodalizio con Matisse, scopri al British Museum di Londra l'arte primitiva e ne sposò eleganze e monumentatila, in un percorso di progressivo avvicinamento all'esperienza coeva di Picasso. Braque accentuò, insieme a Friesz, la cifra accattivante dei suoi paesaggi portuali, per poi tornare decisamente sui suoi passi e approdare alla solidità e al cromatismo ribassato del cubismo, di cui sarà, con Picasso, tra i protagonisti riconosciuti. Camoin, Dufy e Marquet adottarono per i loro intimi quadretti bagnati dalla luce mediterranea formule garbate, di immediata presa sul collezionismo internazionale, in particolare russo. Van Dongen piegò le accensioni di colore tipiche dei fauve a un repertorio affollato di personaggi circensi, scene mondane, nudi, secondo una cifra aggressiva, quasi pre-espressionista, che ne avrebbe dettato la fortuna soprattutto in Germania. Solo Matisse, nel corso di tutta la sua carriera, tornò a più riprese a interrogare l'esperienza fauve, per discuterne i presupposti e rileggerne le acquisizioni. Ripercorrere le sue opere principali, da Luxe, calme et volupté (1904) fino alla cappella di Vence (1948-52), attraverso le serie degli anni Trenta, la decorazione Barnes e i papiers découpés, significa in questo senso confrontarsi con un percorso di ostinata, inattaccabile fedeltà al colore, e all'irrisolta tensione tra colore e disegno: perché "il colore - avrebbe detto Matisse verso la fine della vita - è una liberazione".

Verona, Mondadori Ed. 1956, cm.11,5x18, pp.184, 119 figg.bn.nt. legatura ed. Coll.Biblioteca Moderna,449.