Arte Saggi

Studio critico e indici. A cura di Silvio Balloni. Firenze, Sillabe per Ente Cassa di Risparmio di Firenze 2008, cm.22,5x33, Riproduzione anastatica, pp.170 con inserti; f.to 22 x 32,2 SOLO VOLUME DI RISTAMPA ANASTATICA MANCANTE DEGLLO STUDIO CRITICO. Il cofanetto include la ristampa anastatica dello Zibaldone e il volume con lo studio critico e gli indici. Lo Zibaldone è un grande volume di 167 carte che raccoglie ritagli di articoli critici dell’artista Telemaco Signorini e di altri esperti d’arte pubblicati in vari giornali, oltre alle caricature e ai commenti scritti di pugno dall’artista, tra il 1835 e il 1901 e che fu donato da Aldo Gonnelli nel 1963 alla Galleria d’arte moderna di Firenze.

Milano, Lerici Ed. 1967, cm.20x25, pp.400, num.figg.nt. br.

Trad.di Maria Luisa Bassi. Torino, Einaudi 1986, cm.15,5x21,5, pp.XXV,195, 244 ill.bn.in num.tavv.ft. leg.ed.in t.tela,soprac.fig.a col. Coll.Saggi.

Univesity of Toronto Press 2003, cm.16x24, pp.VIII,296, hardcover, dustjacket. In the late nineteenth and early twentieth centuries, the production of literary and cultural manifestoes enjoyed a veritable boom and accompanied the rise of many avant-garde movements. Legitimizing the Artist considers this phenomenon as a response to a more general crisis of legitimation that artists had been struggling with for decades. The crucial question for artists, confronted by the conservative values of the dominant bourgeoisie and the economic logic of triumphant capitalism, was how to justify their work in terms that did not reduce art to a mere commodity. In this work Luca Somigli discusses several European artistic movements – decadentism, Italian futurism, vorticism, and imagism – and argues for the centrality of the works of F.T. Marinetti in the transition from a fin de siécle decadent poetics, exemplified by the manifestoes of Anatole Baju, to a properly avant-garde project aiming at a complete renewal of the process of literary communication and the abolition of the difference between producer and consumer. It is to this challenge that the English avant-garde artists, and Ezra Pound in particular, responded with their more polemical pieces. Somigli suggests that this debate allows us to rethink the relationship between modernism and post-modernism as complementary ways of engaging the loss of an organic relationship between the artist and his social environment.

Bolgna, 13-15 aprile 1989. A cura di Luisa Avellini. Introduzione di Andrea Battistini. Comune di Bologna, Istituto per la Storia di Bologna 1990, cm.15x23, pp.320, brossura. Coll.Sapere e/é potere. Discipline, dispute e professioni nell'Università Medievale e Moderna. Il caso Bolognese a confronto.

Introduzione di Franco Cordelli. Milano, La Nave Di Teseo Ed. 2018, cm.15,5x21,5, pp.492,num.ill.a col. leg.ed.soprac.fig.a col. Coll. Il Tesoro D' Italia.

Firenze, Florence Art Edizioni 2016, cm.16x24, pp.202, brossura, copertina figurata a colori. Coll.Saggi e Ricerche. Letterature, Testimonianze e Momorie.

Traduzione di F. Scirea. Milano, Jaca Book 2014, cm.17x24, pp.224, brossura copertina figurata a colori. Coll.Arte. L'immagine medievale non è, come sostiene un luogo comune, la "Bibbia degli illetterati". Sottoponendo a critica le opere fondanti di Emile Mâle e di Erwin Panofsky, Jérôme Baschet riconsidera il concetto di iconografia, sgombra il campo da tutte le dissociazioni fra contenuto e forma e presta la massima attenzione ai dispositivi plastici mediante i quali il pensiero figurativo dota di senso le immagini. Il volume alterna proposizioni di carattere generale e studi approfonditi di alcuni manufatti medievali, come i celeberrimi rilievi romanici di Souillac o il ciclo dipinto della collegiata di San Gimignano, con l'obiettivo di cogliere la coerenza di un luogo di immagini e di analizzarne la struttura di insieme, indispensabile per un'iconografia rinnovata. Lontano dai caratteri stereotipati che si attribuivano un tempo all'arte medievale, Baschet dispiega un approccio seriale che svela la straordinaria inventiva delle immagini.

Milano, Jaca Book 2012, cm.17x24, pp.300, brossura copertina figurata a colori. Coll.Di fronte e attraverso. Storia dell'arte. Superata l'austerità simbolica del Cristianesimo delle origini, la cultura pittorica occidentale ha progressivamente umanizzato il sacro, procedendo lungo il millennio medievale sul duplice registro della rappresentazione iconica e della narrazione ambientata. Un ruolo apparentemente subalterno ma non meno decisivo è toccato alla componente ornamentale, che guida la percezione dell'immagine, ne traccia i limiti, ne gerarchizza gli spazi, ne valorizza la funzione. La sistematicità con cui ciò avviene nello spazio liturgico medievale, in cui ogni elemento contribuisce alla costruzione di percorsi (loci) fisici e mentali, autorizza a parlare di sistemi ornamentali. Partendo da tali premesse, il volume rende conto di una capillare catalogazione della pittura murale ornamentale del Medioevo lombardo, che pur affrontando questioni formali evita l'impostazione da repertorio di modelli per condurre l'analisi sul piano dei contesti monumentali, senza dimenticare le pitture musealizzate o riemerse da indagini archeologiche. Rivelandosi un puntuale atlante del territorio, il volume non manca di tracciare una rassegna bibliografica ragionata e di inserire i temi affrontati nel quadro dell'arte medievale europea.

Introduzione e note di Giuseppe D'Annibale. Catania, Edizioni Paoline 1963, cm.11,5x17, pp.418, leg.ed.in balacron. Coll.Maestri,98.

Tradution de Sophie Yersin Legrand. Macula Editions 2018, cm.19x28, pp.390, Broché. Dans cet ouvrage richement illustré, Romy Golan explore les oeuvres murales, qu'elles soient peinture, photographie, tapisserie, etc. , en Europe des années 1920 aux années 1950. Prenant pour point de départ l'installation des Nymphéas de Monet à l'Orangerie, elle termine avec les immenses tapisseries de Le Corbusier pour le site de Chandigarh, en Inde. Entre les deux, elle brosse un large portrait de ce qu'elle considère comme le paradoxe des peintures murales, qui ne sont pas sûres de véritablement faire partie des murs et qui rejouent de manière ironique le contraste, crucial au sein du discours sur l'architecture, entre le " bien " ou l'intégré, et le " mauvais " ou pur ornement complémentaire. La peinture murale monumentale fut un point central du débat critique du XXe siècle : de nombreux artistes et critiques la virent comme un correctif aux fléaux du modernisme pictural, à la fragmentation de l'image par les cubistes, un antidote à la marchandisation de la peinture de chevalet, à la perte du sens de la finalité publique de l'art, à l'érosion de l'aura et plus généralement à l'aliénation de l'homme dans la condition moderne. D'autres, artistes et critiques, virent très bien que la peinture murale n'apportait de solution à aucun de ces problèmes et qu'un retour au format mural tel qu'il existait dans le monde prémoderne serait une posture anachronique et futile – d'où le caractère hésitant, auto-discréditant des oeuvres dont il est question dans ce livre. Pour nous montrer cela, Romy Golan nous met sous les yeux des objets aussi étranges que des mosaïques conçues pour être démontées, des peintures qui ressemblent à des photographies de grand format, des tapisseries qui font office de murs de laine portatifs. Il est vrai qu'aujourd'hui, les oeuvres murales (si l'on excepte celles que l'on trouve dans la rue) n'ont que peu d'attraits et évoquent un art désuet, ou alors connoté politiquement et d'une époque désormais révolue. En bref, la peinture murale n'intéresse pas grand monde, sans parler de la mosaïque, de la tapisserie, du photomural. C'était sans compter la lecture de cet ouvrage qui replace tout l'art mural dans son contexte artistique, politique, social en une grande fresque qui couvre en particulier la France, l'Italie, l'Allemagne et l'URSS. Romy Golan y montre que la relation incertaine de ces objets au mur est symptomatique des dilemmes qui troublèrent l'art, les artistes et les architectes européens en plein coeur du XXe siècle.

Milano, Abscondita 2016, cm.13,5x22, pp.142, brossura copertina fig.a col. Coll.Carte d'artisti. "Lasciata ora 'la verità della finzione' e volgendosi, nella volta, alla 'finzione della verità', immaginò l'artista che per il varco aperto entro la cappa del camino, dagli ovali sforati entro la volta di verzura, apparisse in aria aperta la conclusione della Caccia di Diana, patrona della committente. E in questa visione egli parla più apertamente la lingua illustre d'Italia, con la sua propria dolcezza d'inflessione, con un'accaldata e palpabile pienezza vitale, con una così soluta metamorfosi di gesti e di moti al cui confronto i putti raffaelleschi a trottola della 'Disputa', delle 'Virtù del Giudice' e della Farnesina, o i putti ercolini, abnormi della Sistina, recedono in una zona più astratta. E ancora scricchiola il pergolato sotto il tramestìo degli Amori, ancora rintoccano i peltri, trasudano le teste tiepide degli arieti, si stendono come pastelle di sfoglio, le tovagliette del tinello incantato di Donna Giovanna Piacenza." Con una nota di Daniele Benati.

Third Revised edition. New York, Prentice Hall Inc. and Harry N.Abrams Inc. 2000, cm.22,5x29, pp.448, num.ill.a col.nt. br., cop.fig.a col.

Fagagna, Magnus Edizioni 2011, cm.24x29,5, pp.450, 380 figg.e tavv.a col. leg.ed.in t.tela,soprac.fig.a col. Coll.Le Grandi Opere. Pinacoteche italiane. Esemplare Nuovo

Firenze, Edifir 2018, cm.16x24, pp.224, num.figg.nt. brossura copertina figurata a colori. Nel 1962, Giuliano Briganti introduceva un'inedita categoria sociale, quella dei 'virtuosi', a seguire, nel 1963, Francis Haskell definì un concetto altrettanto performante, quello di 'provincia'. Muovendo da tali intuizioni ed estendendole insieme al delta cronologico di riferimento (1400-1900), il volume "The Taste of Virtuosi" propone al lettore un ideale crossover per il tramite di personalità - esponenti del ceto dirigente e magnatizio, feudatari, mogli-figlie-madri di feudatari, prelati, ma anche pittori-falsari e intenditrici d'arte - certo distanti dal punto di vista delle epoche di riferimento, della provenienza e della tipologia sociale di appartenenza, ma, comunque, a tal punto significanti da costituire sicuri exempla di nuovi 'virtuosi' in ragione di una pratica del collezionismo e del mecenatismo intesa quale «specchio di cultura e termometro del gusto» (C. De Benedictis).

Milano, Feltrinelli 1976, cm.18x27, pp.124, 28 tavv.bn.ft. 4 nt. brossura copertina figurata a colori. Coll.UE,727.

A cura di F.Pfister. Prefaz.di David Irrwin. Terza edizione. Torino, Einaudi 1948, cm.12x18, pp.XX,194, 14 tavv.bn.in tavv.ft. leg.ed.in mz.tela. Coll.Universale,4.

Genova, 26 ottobre 2006-14 gennaio 2007. A cura di G. Marcenaro, P. Boragina. Milano, Skira 2006, cm.25x29, pp.256, legatura editoriale, soprac.fig.a col. Questo volume nasce principalmente per analizzare gli eventi sociali ed estetici che infiammarono la Russia del primo Novecento e affronta questo argomento con una molteplice ottica: uno sguardo intenso all'arte, un altro alla letteratura e un indugio particolarmente sensibile per il teatro in modo da analizzare tutte le tensioni creative che hanno determinato il panorama artistico della Russia del tempo, che rappresenta un unicum per la sua evoluzione estetica, sociale e politica. Il 1905, con il tentativo rivoluzionario, è il punto di partenza ideale per illustrare un periodo in cui le forti inquietudini portarono gli intellettuali da un lato a sottolineare le istanze sociali, dall'altro a sviluppare un radicale cambiamento estetico, dando luogo alle straordinarie esperienze dell'avanguardia. Senza tuttavia dimenticare che, nel medesimo tempo, una parte di letterati e artisti, pur impegnati nella discussione sociale ed estetica, proseguivano creando opere assimilabili alla grande tradizione verista russa dell'Ottocento. Gli "stili" si fronteggiavano dando quindi luogo ad un autentico combattimento espressivo. Il tempo è quello in cui Larionov, Goncharova, Tatlin, Popova, Rodchenko, Malevich - per citare i nomi più emergenti - fronteggiavano i "tradizionalisti" come Kustodiev, Korovin e molti altri, che continuavano a dipingere come se il vento dell'avanguardia non li riguardasse.

Trad.di A.Costa. Milano, Skira Ed. 2003, cm.15x21, pp.232, 182 tra ill.e tavv.bn.e col.nt. br.con bandelle, cop.fig.a col. Coll.Biblioteca Univ.Rizzoli-Skira,15.

Genève Patrick Cramer, éditeur 1983, cm.23,5x33, pp.425, Riche iconographie en noir et en couleurs. Rel. pleine toile, jaquette illustrée en couleurs. Etui pleine toile d'édition. Esemplare in ottimo stato di conservazione.