Arte Saggi

Traduz.di Giuseppe Guglielmi, Ezio Raimondi. Con uno scritto di Federico Ferrari. Milano, Abscondita Ed. 2019, cm.11x19,5, pp.83, alcune tavv.bn.ft. br. cop.fig.con bandelle, Coll.Miniature,28.

Traduzione di Elena Carpi Schirone. Milano, Abscondita 2019, cm.14x21, pp.143, br.cop.fig.a col. Coll.Carte d'Artisti,4. Apparenza nuda è formato da due saggi che Octavio Paz ha dedicato a Marcel Duchamp. Il primo è un'introduzione generale all'opera dell'artista francese: esso contiene una descrizione completa e un'interpretazione del Grande Vetro, lasciato "definitivamente incompiuto" nel 1923. Uno dei pittori più celebri del nostro secolo abbandona l'arte per dedicarsi agli scacchi ed entra, così, nella leggenda. Dopo la sua morte, si scoprirà con stupore che aveva lavorato in segreto per vent'anni... Per Paz, l'opera di Duchamp e il suo abbandono della pittura non derivano né dal patetismo né dall'orgoglio, ma da una folle saggezza: da quella "libertà d'indifferenza" che rimane dopo la conoscenza. Il secondo saggio è un'analisi dell'Assemblaggio di Filadelfia. Paz mostra come esso si ricolleghi al Grande Vetro e alle altre opere di Duchamp, perché un medesimo principio governa tutte le sue speculazioni plastiche: il principio della "cerniera" (le porte - e le idee - si aprono nelle sue opere senza peraltro cessare di essere chiuse, e viceversa). Questo saggio riesce dunque a mettere in luce le somiglianze profonde tra il percorso di Duchamp e il mito di Diana e Atteone: dal voyeurismo alla contemplazione mediante il sacrificio. Nell'ultima parte del saggio, Paz mostra come Duchamp sia l'erede del tema tradizionale e centrale del pensiero e dell'arte occidentali: l'amore e la conoscenza. La sua visione è il prolungamento inatteso della tradizione dell'amore cortese e dell'ermetismo neoplatonico.

A cura Oreste del Buono. Milano, Abscondita Ed. 2019, cm.11x19,5, pp.70, num.tavv.bn.ft. br.cop.fig.con bandelle, Coll.Carte D'Artisti,92. "L'arte è passata ovunque nella realtà. Si dice che l'arte si smaterializzi. È esattamente il contrario: l'arte oggi è passata ovunque nella realtà. È nei musei, nelle gallerie, ma altrettanto è nei detriti, sui muri, nelle strade, nella banalità di ogni cosa oggi sacralizzata senza altra forma di procedimento. L'estetizzazione del mondo è totale. Come abbiamo a che fare con una materializzazione burocratica del sociale, una materializzazione tecnologica del sessuale, una materializzazione mediatica e pubblicitaria del politico, così abbiamo a che fare con una materializzazione semiotica dell'arte. È la cultura intesa come ufficializzazione di tutto in termini di segni e di circolazione di segni. Ci si lamenta della commercializzazione dell'arte, della mercantilizzazione dei valori estetici. Ma questo è un vecchio ritornello borghese e nostalgico. Bisogna ben più temere, al contrario, l'estetizzazione generale delle cose. Molto più che la speculazione mercantile, bisogna temere la trascrizione di tutto in termini culturali, estetici, in segni museografici. Questo è la cultura, la nostra cultura dominante, l'immensa impresa di stoccaggio estetico, di risimulazione e reprografia estetica di tutte le forme che ci circondano. Questa è la più grande minaccia, è ciò che io chiamerei il grado Xerox della cultura."

A cura Elio Grazioli. Milano, Abscondita Ed. 2019, cm.11x19,5, pp.70, num.tavv.bn.ft. br.cop.fig.con bandelle, Coll.Miniature,92. "L'arte è passata ovunque nella realtà. Si dice che l'arte si smaterializzi. È esattamente il contrario: l'arte oggi è passata ovunque nella realtà. È nei musei, nelle gallerie, ma altrettanto è nei detriti, sui muri, nelle strade, nella banalità di ogni cosa oggi sacralizzata senza altra forma di procedimento. L'estetizzazione del mondo è totale. Come abbiamo a che fare con una materializzazione burocratica del sociale, una materializzazione tecnologica del sessuale, una materializzazione mediatica e pubblicitaria del politico, così abbiamo a che fare con una materializzazione semiotica dell'arte. È la cultura intesa come ufficializzazione di tutto in termini di segni e di circolazione di segni. Ci si lamenta della commercializzazione dell'arte, della mercantilizzazione dei valori estetici. Ma questo è un vecchio ritornello borghese e nostalgico. Bisogna ben più temere, al contrario, l'estetizzazione generale delle cose. Molto più che la speculazione mercantile, bisogna temere la trascrizione di tutto in termini culturali, estetici, in segni museografici. Questo è la cultura, la nostra cultura dominante, l'immensa impresa di stoccaggio estetico, di risimulazione e reprografia estetica di tutte le forme che ci circondano. Questa è la più grande minaccia, è ciò che io chiamerei il grado Xerox della cultura."

A cura di Lorella Giudici. Milano, Abscondita Ed. 2019, cm.13x22, pp.135, alcune figg.bn.nt. br.con bandelle, cop.fig.a col. Coll.Carte d'Artisti,87. "Possa venire il giorno (e forse verrà presto) in cui fuggirò nei boschi di qualche isola dell'Oceania, a vivere d'estasi, di calma e d'arte, circondato da una nuova famiglia, lontano dalla lotta europea per il denaro. Lì a Tahiti potrò ascoltare, nel silenzio delle belle notti tropicali, la dolce musica sussurrante degli slanci del mio cuore in amorosa armonia con gli esseri misteriosi che mi saranno attorno. Finalmente libero, senza preoccupazioni di denaro, potrò amare, cantare e morire", così scrive Gauguin alla moglie Mette qualche mese prima di partire per i Mari del Sud. Per Gauguin, e soprattutto per la sua pittura, è un'esperienza decisiva, è come tornare alle radici dell'esistenza, a un mondo fatto di istinto, di genuinità, di ritmi naturali e di silenzi. Ed è questa realtà che Gauguin ritrae nelle sue tele e racconta nelle pagine di un quaderno che intitola semplicemente "Noa Noa", profumo. Un taccuino d'impressioni, che l'artista trascrive una volta rientrato a Parigi: "Preparo un libro" scrive alla moglie nell'autunno del 1893 "su Tahiti che sarà molto utile per far capire la mia pittura". Una sorta di memoriale, a supporto della sua arte, a rafforzare quel sentimento di primitività così nuovo e così difficile da far comprendere ai moderni europei. Il testo è qui presentato nella versione originale - non rimaneggiata dal poeta Charles Morice, a cui Gauguin aveva affidato la revisione del manoscritto - e accompagnato da una selezione di lettere da Tahiti alla moglie e agli amici.

A cura di Alessandra Salvini, con uno scritto di Michel Butor. Milano, Abscondita Ed. 2019, cm.11x19,5, pp.92, num.tavv.bn.ft. br.cop.fig.con bandelle, Coll.Miniature,6. «Penso ai miei dipinti come a opere teatrali: le forme che appaiono sono gli attori sul palcoscenico. Nascono dall'esigenza di trovare un gruppo di interpreti in grado di muoversi sulla scena senza imbarazzo e di compiere gesti teatrali senza vergogna. Non è possibile prevedere né descrivere in anticipo quale sarà l'azione o chi saranno gli attori. Tutto ha inizio come in un'avventura sconosciuta, in un mondo mai veduto prima. È solo nel momento del compimento di questa avventura che ci rendiamo conto, come per un'illuminazione improvvisa, che ciò che si è concretizzato sulla scena è proprio quello che deve concretizzarsi. Tutti i programmi, tutti i concetti che avevamo all'inizio erano solo una via di uscita che ci ha permesso di abbandonare il mondo da cui questi stessi concetti hanno avuto origine.» Con uno scritto di Michel Butor.

Società Storica Pisana 2017, cm.23,5x28,5, pp.256, ill.col. hardcover,

Sotto la direz.di L.Carluccio. A cura di S.Furlotti Reberschak. Torino, Bolaffi 1968, cm.25x29, pp.460, centinaia di figg.bn.e col.nt. leg.ed.soprac.fig.a col.

Traduzione di R. De Benedetti. Milano, Medusa Edizioni 2015, cm.14,5x21, pp.102, brossura sopracoperta. Coll.Wunderkammer. "Nel ritratto che Alice Michel scrisse e pubblicò nel febbraio 1919 sul "Mercure de France", un paio d'anni dopo la scomparsa di Degas - nota Jean-Loup Deville nella Postfazione a questo documento d'epoca, si capisce fino a che punto si rispecchi quanto Focillon scrive nella sua storia della pittura del XIX e XX secolo: "Un istante di sensibilità fatto dei suoi lineamenti di un attimo"; e non è eccessivo ciò che lo storico afferma poco dopo, vale a dire che "Degas inaugura una nuova epoca del genio e del gusto francesi, fatto di disincanto, di costruzione austera, di ripiegamento su se stessi". Si sente, dal racconto della modella, quanto di fisico, di costretto, di vincolato all'infermità del corpo, alle sue debolezze indotte dall'età e dalla malattia, si celi nella concezione di una scultura che ormai Degas esegue a tastoni, trasferendo la sensazione immediata della mano che palpa il corpo della modella, nella materia plastica, cera o creta che fosse: "Mentre lei posava, Degas, gli occhi quasi immobili dietro gli occhiali, seguiva i contorni del corpo nudo per confrontarli con quelli della piccola scultura. Ma per quanto fosse seduto molto vicino a Pauline, non distingueva che vagamente le sue forme e si alzava ogni momento per seguire con la mano la linea dell'anca o l'inserzione di un muscolo che il suo pollice modellava nella materia plastica".

Milano, Medusa Edizioni 2004, cm.12x21, pp.234, brossura. Coll.Argonauti,10. Tradurre un testo letterario è un compito arduo, che ricorda la fatica a cui è consegnato Sisifo per l'eternità, costretto a portare un masso alla sommità di un monte per vederlo un attimo dopo rotolare a valle. Tradurre è un'impresa destinata all'insuccesso. Quando si traduce si sa che la fatica sarà presto vanificata da una nuova versione: ogni generazione impone i propri traduttori. Ma tradurre è una fatica necessaria e vitale. Per questo porta con sé anche una promessa di felicità per il traduttore che tenta, accettando questa utopica sfida, di tenere o di ridare vita a un testo. È una sfida con il tempo e con le sue stratificazioni storiche, un esercizio che salda il potenziale apparentemente esaurito del passato con l'esigenza del futuro che c'è in ogni nuova parola scritta e pronunciata. Partendo da una riflessione sulla specificità della traduzione letteraria, sulla critica alla traduzione, sui rapporti tra traduzione, poetica e ideologia, attraverso una serie di casi esemplari Franco Nasi affronta, con tono narrativo e rigore scientifico, molti nodi del dibattito attuale sull'arte del tradurre.

A cura di Graziano Lingua. Milano, Medusa Edizioni 2004, cm.12x21, pp.209, brossura. Coll.Argonauti,5.

Presentazione di Camillo Fornasieri. Introduzione e cura di Camillo Fornasieri. Con un saggio di Maurizio Cecchetti. Milano, Medusa Edizioni 2001, cm.22x28,5, pp.218 ill.a col. legatura editoriale, soprac.fig.a col. Coll.Aracnion. Qualcuno lo definì il `Péguy italiano`, per altri fu uno dei pochi intellettuali, negli anni Trenta, capace di `scuotere una coscienza`. Di certo, Edoardo Persico (1900-1936) seppe interpretare ` senza i `tradimenti` imputati allora da Julien Benda agli intellettuali che si piegarono alle servitù politiche ` il ruolo di sollecitatore e difensore delle migliori presenze artistiche italiane allora nascenti. Cattolico e antifascista, fu vicino a personaggi come Gobetti, Venturi, Casorati, Fontana, Nizzoli... In questo volume sono raccolti tutti gli scritti di Persico sulle arti visive e alcuni tra i più significativi dedicati all'architettura.

Traduz.italiana di Emmanuel. Bari, Laterza Ed. 1921, cm.14x21,5, pp.268, br.cop.fregi a col.

Milano, Franco Angeli Ed. 1991, cm.14x22, pp.219, rileg.in imitlin. Coll.di Filosofia.

A cura di Paolo Colombo. Milano, Vita e Pensiero 2005, cm.16,5x22,5, pp.336, brossura copertina figurata a colori. Questo libro, frutto di un'indagine realizzata dal Centro di ricerca "Arti e mestieri" dell'Università Cattolica del Sacro Cuore e rivolta in particolare a Lombardia e Canton Ticino, mostra come i mestieri del passato siano stati capaci di ricostruire nel tempo il loro ruolo e la loro immagine, interpretando i mutamenti nelle richieste del pubblico, senza tradire quella cultura estetica che rappresenta una delle eredità più preziose della tradizione italiana del 'gusto'. Oltre a delineare i contorni - spesso magmatici - dei mondi dei mestieri d'arte, questo studio descrive anche il complesso delle strategie formative e delle dimensioni istituzionali che contribuiscono al rafforzamento e allo sviluppo di un settore di attività così significativo.

A cura di Ludovica Ripa di Meana. Milano, Longanesi & C. Ed. 1987, cm.17,5x25, pp.276, 162 ill.bn.e a col.nt. leg.ed., Coll.I Marmi,142.

Milano, Longanesi 1990, cm.17x25, pp.303, 120 ill.e tavv.bn.e col.nt. leg.ed.in t.tela,soprac.fig.a col. Coll.I Marmi. Sin dal titolo gli intenti di Federico Zeri - autore del felice e fortunato "Dietro l'immagine", un autentico bestseller internazionale - risultano palesi. L'"orto" che egli coltiva non e' "chiuso"; non e' quell' 'hortus conclusus' che indica l'intimita' dei segreti pensieri o il geloso campo di un lavoro intellettuale. Bensi' e' "aperto", messo a disposizione del pubblico, e insieme luogo da dove si puo' indagare in qualsiasi direzione, senza "preclusioni" di sorta. L'operosa ricerca e l'insaziabile "curiosita" di Zeri si muovono infatti liberamente nel tempo e nello spazio, dai grandi temi dell'arte ai piu' minuti o stravaganti aspetti della comunicazione visiva, ravvicinati dalla capacita' dell'autore di coinvolgere il lettore e di trascinarlo. Cosi' pagine nate in tempi e occasioni diversi acquistano un'intima unita', animate sempre dalla straordinaria erudizione, dal costante senso della storia, dalla lucidita' interpretativa e dalla puntigliosa foga polemica di Zeri. Il ricco corredo iconografico (ben centoventi illustrazioni) consente un puntuale riscontro visivo delle affermazioni dell'autore e fa anche di questo libro un prezioso strumento didattico per la lettura dell'opera d'arte. volume in Italiano

Traduzione di Giancarlo Pontiggia. Saggio intr.di Marco Vallora. Milano, Ediz.Medusa 2004, cm.14x22, pp.126, br.cop.fig.a col.

Terza ediz. notevolmente aggiornata e accresciuta. Milano, Rizzoli Ed. 1974, cm.18x25, pp.408, 32 tavv.bn.ft. leg.ed., sopracop.fig.a colori. Praz ricostruisce un mondo, che va dalla metà del Settecento ai primi anni dell'Ottocento, in tutte le sue sfaccettature artistiche, individuandone i pregi e l'originalità.

Torino, Allemandi 2006, cm.22x31, pp.276, ill. brossura copertina figurata a colori. Dopo le "Lettere sull'antiquariato di Mario Praz e Luigi Magnani", edito nel 1996, la casa editrice pubblica ora il catalogo della mostra a Siena sulla collezione Magnani. Il volume ricostruisce la passione di questo importante collezionista per l'arte e per la musica, la sua amicizia con il critico Cesare Brandi (appassionato consulente), le dimore e i paesaggi, l'insegnamento, i viaggi, la predilezione per alcuni pittori. Una storia difficile da ricostruire perché passa, come per tutti i collezionisti, davanti alle maggiori evidenze, attraversando biblioteche, guardando vecchie fotografie, viaggiando, discutendo le proprie idee e i gusti personali.