Arte Pittura

Prefazione e note di Giuliano Matteucci. Cortina d'Ampezzo 1968, 1968, cm.23x33, pp.80, ill. brossura. Edizione limitata in 600 esemplari.

Prefazione di Giuliano Grassi. Firenze, Giorgi & Gambi Ed. 1983, cm.22x32, pp.138, alcune illustrazioni e 88 tavole bn.e a colori nel testo, legatura editoriale in tutta tela, sopracop.fig.a colori. Collana sulla Pittura Toscana dell'Ottocento e del Novecento,2.

Perugia, Editrice La Rocca 2003, cm.17x24, pp.95 ill.bn.e a colori. brossura copertina figurata a colori.

Traduzione di Marco Zapparoli. Milano, Jaca Book 1985, cm.32x43, pp.161, 70 tavole a colori a piena pagina nel testo , legatura editoriale in tutta tela, sovraccop. figurata a colori Eccellente esempl.

Saggi di Sandrina Bandera, Daniele Benati, Cristina de Benedictis, Francesca Flores d'Arcais, Pierluigi Leone De Castris, Elvio Lunghi, Enrica Neri Lusanna, Maria Grazia Recanati, Serena Romano, Angelo Tartuferi, Rossana Torlontano e Carla Travi. Bergamo, Ediz.Bolis-Ist.Bancario San Paolo 1995, cm.22x29, pp.253, num.ill.e tavv.bn.e col.nt. legatura editoriale sopraccoperta figurata a colori. Saggi di Sandrina Bandera, Daniele Benati, Cristina de Benedictis, Francesca Flores d'Arcais, Pierluigi Leone De Castris, Elvio Lunghi, Enrica Neri Lusanna, Maria Grazia Recanati, Serena Romano, Angelo Tartuferi, Rossana Torlontano e Carla Travi.

Firenze, Edizioni Galleria Pananti 1982, cm.24x25,8, pp.231,(1), 76 tavv. a colori (dipinti) e 30 tavv. in bn. (disegni), legatura editoriale, sopraccoperta figurata a colori. Ediz. di 1000 copie numerate.

Firenze, 4-30 maggio 2010. Testo di Luigi Cavallo. Accademia delle Arti del Disegno. Firenze, Polistampa 2010, cm.14x22, pp.152 ill a colori. brossura, sopraccoperta figurata Catalogo della mostra di Carlo Severa (Firenze, 14 agosto 1912) allestita dal 4 al 30 maggio 2010 presso l'Accademia delle Arti del Disegno di Firenze. Il repertorio scelto non è compiutamente antologico ma, a grande sintesi, riassume la militanza artistica di Severa a partire dagli anni '70. "Aprire una mostra di Carlo Severa - afferma Luigi Cavallo nella sua critica significa avviare un percorso di conoscenza e di verifica che coinvolge le linee significative delle arti contemporanee, dall'astrattismo all'informale, dallo spazialismo alla optical art". In questa mostra il maestro Severa ha voluto dare sfondo a quello che è stato il suo lavoro maturo del dopoguerra, far conoscere quella congiuntura drammatica che, vista a posteriori, gli ha consentito di transitare dalla fase di formazione a quella di maturità nella ricerca. Il momento di cesura e insieme di fusione operativa è stato la sua partecipazione al secondo conflitto, sul fronte orientale, pittore aggregato alle truppe della spedizione in Russia, 1942-1943.

Meridiane Publishing House 1979, cm.24x33, pp.144, 150 tavole a colori. legatura editoriale, sopraccoperta figurata a colori.

Genova, Sagep Editrice per Cassa di Risparmio di Carrara 1974, cm.28x37, pp.151, 166 figg.a col.e in bn.nt., legatura ed.cartonata, sovraccop.fig.a col.

Traduzione di E.Capriolo. Milano, Abscondita 2010, cm.13x22, pp.88, brossura cop.fig.a col. Collana Miniature. Pubblicato nel 1928, in un'epoca di fervida elaborazione e definizione del movimento surrealista, "Le surréalisme et la peinture" costituisce la prima summa del pensiero di André Breton sulla pittura. Tra pagine liriche e passi polemici lo scrittore e poeta, capofila del movimento, delinea qui la complessa ed eterogenea ricerca che anima la fucina artistica surrealista in questa sua fase incipiente. Picasso, Max Ernst, Man Ray, Yves Tanguy, André Masson, Joan Mirò, Giorgio de Chirico, Hans Arp sono i principab protagonisti di questo saggio colto e pregnante, nella cui trama si intrecciano brani teorici, citazioni poetiche, réveries imperscrutabili, Ubere associazioni. In questo ricco flordegio Breton esprime le proprie impressioni e idee sottohneando non soltanto alcuni temi cruciali del surreabsmo ma anche e soprattutto una concezione dell'arte anticonformista e fedele al modello interiore, all'esplorazione dell'inconscio e del sogno, all'obiettivo rivoluzionario. Le "surréalisme et la peinture" rivela altresì le doti poetiche e letterarie di Breton e la sua particolare declinazione dell'ut pictura poèsis che attraverso preziosi espedienti linguistici e frequenti rimandi alla poesia rende così inconfondibili le sue pagine sulla pittura. (Con uno scritto di Angela Sanna).

Cremona, Museo Civico Ala Ponzone, 24/214/6/2002. A cura di Renzo Mangilli. Milano, Federico Motta Ed. 2002, cm.29x24, pp.300, num.ill.e tavv.bn.e col.nt. legatura editoriale con sopraccoperta figurata a colori.

San Gimignano,2011. A cura di Massimo Vezzosi. Firenze, Polistampa 2001, cm.21x21, pp.96, brossura copertina figurata a colori.

Orangerie des Tuileries 19 juil-14 oct 1974. Editions des musées nationaux 1974, cm.19x21, pp.164, brossura copertina figurata a colori.

English edition. Milano, Motta 24 Ore Cultura 2012, cm.15,5x21,5, pp.80, num.figg.a col. legatura ed.cop.fig.a col. Collana I Misteri dell'Arte. Ispirato all'episodio del primo miracolo di Gesù descritto nel Vangelo di Giovanni, il monumentale, sfavillante telero di Paolo Veronese era destinato al refettorio del convento benedettino di San Giorgio Maggiore a Venezia. Per gli invitati alle nozze di Cana, Veronese imbandisce una tavola sontuosa, ricchissima di dettagli : una sequenza quasi ininterrotta di vasellami pregiati, piatti e alzatine contenenti cibi allettanti. L'artista trasforma dunque la scena religiosa in un evento mondano, in una cerimonia fastosa alla quale interviene non solo la folla cosmopolita e variopinta della Venezia del suo tempo, ma un campionario di servi, buffoni e animali, sullo sfondo di uno scenario architettonico formidabile e luminoso. In bilico tra vero e fantastico, dispiegando la propria visione teatrale dell'arte e della vita, Veronese ci riserva qui almeno due notevoli sorprese, che ci si riveleranno scoprendo le vere identità degli sposi e, soprattutto, dei musici che li allietano.

A cura di David Sylvester. Ediz.originale in lingua inglese. Milano, Electa- Menil Foundation 1993, cm.25x32, pp.496, centinaia di ill.minimali in bn.nt., legatura ed.in tutta tela, sovraccop.fig.a col., cofanetto. Stato di nuovo. Caratterizzata dal ricorso all'associazione imprevedibile di elementi senza rapporto logico che producono un'atmosfera sognante, la pittura di Magritte rappresenta una delle esperienze artistiche più interessanti di questo secolo. Il volume, terzo di cinque, approfondisce il catalogo completo dell'opera del grande pittore belga, protagonista della stagione surrealista, attraverso l'analisi delle pitture negli anni tra il 1949 e il 1967.

Accompanies the exhibition at the National Gallery, London 1 October 2018 – 27 January 2019 and Gemäldegalerie, Staatliche Museen zu Berlin 1 March – 30 June 2019. With contributions by Andrea De Marchi, Jill Dunkerton, Babette Hartwieg, Katharina Weick Joch. National Gallery Publications 2018, cm.24x28, pp.304, ill.col. paperback cover colour. Andrea Mantegna (c. 1431–1506) and Giovanni Bellini (active c. 1459; died 1516) each produced groundbreaking paintings, marked by pictorial and technical innovations, that are among the masterpieces of the Italian Renaissance. Exploring the fruitful dynamic between Mantegna’s inventive compositional approach and interest in classical antiquity and Bellini’s passion for landscape painting, this fascinating volume examines how these two artists, who were also brothers-in-law, influenced and responded to each other’s work. Full of new insights and captivating juxtapositions—including comparisons of each of the artist’s depictions of the Agony in the Garden and the Presentation to the Temple—this study reveals that neither Mantegna’s nor Bellini’s achievements can be fully understood in isolation and that their continuous creative exchanges shaped the work of both.

A cura di Daniele Astrologo Abadal. Dominioni Editore 2022 cm,.21x29,5, pp.208 ill a colori. brossura copertina figurata a colori. Una personale per non dimenticare. Forse, dopo sessanta anni dalla morte di Ugo Bernasconi, è arrivato il tempo di sanare un vecchio debito che Cantù aveva nei confronti di questo artista poliedrico: organizzare una personale, in forma antologica e sistematica, per far conoscere la sua prolifica attività di pittore e scrittore. Tre sono le tematiche scelte dal comitato scientifico su indicazione dell'esperto critico Daniele Astrologo Abadal: il ritratto, la natura morta, il paesaggio.

Venezia, Museo Correr, Reggia Neoclassica,13 febbario-29 maggio 2005. A cura di G.Romanelli. Milano, Skira Ed. 2005, cm.22x29, pp.192, numerose figure a colori, brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Nel quadro dell'arte italiana del XVI secolo, Veronese è il pittore "profano" per eccellenza, in quanto compendia in sé entrambe le grandi tradizioni pittoriche che maggiormente hanno influenzato la storia della pittura di carattere profano del Cinquecento: la tradizione toscano-romana e quella veneziana. Nel complesso Veronese esprime una visione laica e progressista che lo porta a scontrarsi con le autorità ecclesiastiche (come attestano i documenti e le testimonianze oggetto di approfondita disanima in questo volume), tanto da assurgere a vero e proprio simbolo dell'arte moderna. Il volume è il catalogo della mostra di Parigi (Musée du Luxembourg, 22 settembre 2004-30 gennaio 2005) e di Venezia (Museo Correr, 18 febbraio-13 giugno 2005).

Milano, Motta 24 Ore Cultura 2012, cm.15,5x21,5, pp.80, num.figg.a col. legatura ed.cop.fig.a col. Collana I Misteri dell'Arte. Ciò che conosciamo della vita di Hieronymus Bosch non lascia presagire l'esplosione di fantasia, le demoniache bizzarrie della sua opera. La destinazione e la funzione delle sue opere più importanti rimangono tuttora un mistero irrisolto. A che cosa servivano i trittici popolati da una brulicante marea di figure? Chi poteva immergersi in quell'universo di simboli, di rimandi, di allusioni? "Il Giardino delle Delizie", capolavoro assoluto del pittore, è ancora legato all'immaginario gotico ma insieme già si affaccia sulle straordinarie novità del Cinquecento... compresa quella delle grandi scoperte geografiche nelle Americhe, dai Caraibi al Brasile, e nell'Africa meridionale: mistero ulteriore e non ultimo di un dipinto tra i più enigmatici e affascinanti dell'intera arte europea.

Paris, Editions Hyperion 1949, cm.24x32, pp.168 ill.bn.e tavole a colori applicate. legatura editoriale, copertina cartonata, cofanetto.

Koln, Konemann 1997, cm.27,5x32, pp.120 ill.a colori. legatura editoriale, sopraccoperta figurata a colori. Collana Maestri dell'Arte Italiana.

Genova Palazzo Ducale. Milano, Skira 2005, cm.22,5x28,5, pp.208 ill.a colori. legatura editoriale copertina figurata a colori. I decenni a cavallo del Novecento vedono i musei statunitensi impegnati, con tipico spirito americano, in una vera e propria competizione per la formazione delle raccolte più complete, l'acquisizione di opere-chiave, la scoperta e la valorizzazione di artisti antichi e moderni. Il Detroit Institute of Arts, aperto nel 1885 e più volte ampliato e rinnovato nel corso dei suoi centotrenta anni di storia, è da sempre l'epicentro della gloria cittadina e già agli inizi del secolo scorso era considerato l'avamposto e la principale via di accesso delle avanguardie europee negli Stati Uniti. Il gusto e l'esperienza di William R. Valentiner, direttore storico del museo, hanno consentito scelte collezionistiche di altissimo livello, mentre Robert H. Tannahill, un'altra figura di straordinaria importanza, ha lasciato numerose opere d'arte e un ingente fondo per il costante accrescimento delle collezioni. Grazie alla convergenza tra il mecenatismo dei privati, fra cui la famiglia Ford, e la lungimirante direzione, il Detroit Institute of Arts è saldamente collocato tra i massimi musei degli Stati Uniti.

Milano, Il Sole 24 Ore 2007, cm.23x29, pp.310, ill.colori. brossura copertina figurat a colori. Collana I Grandi Maestri dell'Arte. L'artista e il Suo Tempo. Il Salon d'Automne di Parigi del 1905 tenne a battesimo l'esordio ufficiale di un piccolo gruppo di giovani artisti accomunati da un percorso formativo analogo, dall'amore per la luce calda e le ombre lunghe del Midi, dal costante riferimento alla ricerca pittorica di Cézanne. Riuniti in un'unica sala, i loro paesaggi, ritratti e idilli domestici abbagliarono visitatori e recensori. Per definirne l'eccentricità formale e denotarne la carica eversiva, il critico Louis Vauxcelles coniò una delle formule più celebri della storia dell'arte novecentesca: "fauves", selvaggi della moderna scena parigina. Spietata fedeltà alla percezione retinica, traduzione del dato visivo in termini di toni e timbri cromatici, composizioni sghembe furono interpretate da Matisse, Derain, Braque, Friesz, Camoin, Marquet, Van Dongen, Dufy come l'antidoto necessario alle derive di fine secolo: al facile realismo, da un lato, e alla dogmatica scienza del colore divisionista, dall'altro. Ma in assenza di un programma o di una base teorica, il gruppo si disperse a brevissimo giro in ricerche differenti, talora contraddittorie. Derain, dopo un fortunato sodalizio con Matisse, scopri al British Museum di Londra l'arte primitiva e ne sposò eleganze e monumentatila, in un percorso di progressivo avvicinamento all'esperienza coeva di Picasso. Braque accentuò, insieme a Friesz, la cifra accattivante dei suoi paesaggi portuali, per poi tornare decisamente sui suoi passi e approdare alla solidità e al cromatismo ribassato del cubismo, di cui sarà, con Picasso, tra i protagonisti riconosciuti. Camoin, Dufy e Marquet adottarono per i loro intimi quadretti bagnati dalla luce mediterranea formule garbate, di immediata presa sul collezionismo internazionale, in particolare russo. Van Dongen piegò le accensioni di colore tipiche dei fauve a un repertorio affollato di personaggi circensi, scene mondane, nudi, secondo una cifra aggressiva, quasi pre-espressionista, che ne avrebbe dettato la fortuna soprattutto in Germania. Solo Matisse, nel corso di tutta la sua carriera, tornò a più riprese a interrogare l'esperienza fauve, per discuterne i presupposti e rileggerne le acquisizioni. Ripercorrere le sue opere principali, da Luxe, calme et volupté (1904) fino alla cappella di Vence (1948-52), attraverso le serie degli anni Trenta, la decorazione Barnes e i papiers découpés, significa in questo senso confrontarsi con un percorso di ostinata, inattaccabile fedeltà al colore, e all'irrisolta tensione tra colore e disegno: perché "il colore - avrebbe detto Matisse verso la fine della vita - è una liberazione".

Firenze, Giunti 2006, cm.16,5x26, pp.116 ill.a colori. brossura copertina figurata a colori. Collana Vita d'Artista.