Arte Pittura

Museo Archeologico Nazionale di Napoli, 2002, 2003. A cura di Eduardo Cicelyn e Mario Codognato. Napoli, Electa 2002, cm.31x37, Pagine non numerate circa 250. legatura editoriale cartonata con sopraccoperta figurata a colori. Stampato su carta Ikonofix Matt Zanders e Arches Arjo Wiggins. Il volume è il catalogo della mostra (Napoli, Museo Archeologico Nazionale, 5 ottobre 2002 - 15 gennaio 2003), una retrospettiva di Francesco Clemente, tra gli artisti italiani più celebrati all'estero. Nato e vissuto a Napoli fino al 1970, la sua vicenda artistica si snoda tra Roma, India e Stati Uniti. Attualmente vive e lavora a New York. Dalla fine degli anni Settanta è protagonista della Transavanguardia.

New York, Editions Abbeville 1996, cm.10,5x11, pp.288, illustrazione brossura con copertina figurata a colori.

Modern Art Press 2025, cm.22x27,5, pp.164 illustrato a colori. legatura editoriale in tutta tela. In 1985, King Charles III, then Prince of Wales, asked the painter John Ward to accompany him on an official tour to Italy to make an artistic record of the visit. In so doing, he began an inspiring tradition that celebrates its fortieth anniversary in 2025, with forty-two different artists having accompanied the King on sixty-nine official tours to ninety-five different countries worldwide. This book relates the extraordinary stories of these visits and celebrates the work of the tour artists. Their recollections are revealed in a series of individual interviews, and their anecdotes, personal reflections and glimpses behind the scenes provide a fascinating insight into the unique essence of life on a royal tour. The book is both a celebration of the King’s initiative to support and encourage artists and a unique and compelling account of this very special royal tradition. Sumptuously illustrated with some of the many hundreds of works produced by artists who were inspired by the King’s generosity and his unswerving commitment to the arts, the book honours the power of an artist to record what a photograph never can, in the incomparable setting of a royal tour. Published in association with Royal Collection Trust

Milano, Mondadori Editore 1962, cm.12,5x19, pp.66, 176 figure in bianco e nero e a colori, brossura copertina figurata a colori. Collana L'Arte nei Secoli.

Roma, Pal.di Venezia,6/3-1/5/1999. A cura di S.Cassiani, P.Rivazio. Napoli, Electa Napoli 1999, cm.25x28, pp.203, numerose illustrazioni e tavole bn.e a colori nel testo, brossura copertina figurata a colori.

London, Pavilion - Anova Books Group Limited 1989, cm.25,5x35, pp.96, illustrazioni in bianco e nero e a colori, tavole in bianco e nero e a colori. legatura editoriale cartonata con sopraccoperta figurata a colori. Testo Inglese.

Milano, Five Continents Editions 2006, cm.25x29, pp.291, 205 illustrazioni a colori, 205 tavole a colori. legatura editoriale cartonata, copertina figurata a colori, Testo Francese. La formazione artistica di Charles Gleyre (1808-1874) avviene prima nell'atelier di Louis Hersent a Parigi, e successivamente è perfezionata con gli studi presso l'École des Beaux-Arts. Nel 1828 si reca a Roma dove frequenta abitualmente la cerchia di Horace Vernet all'Accademia di Francia. Nel 1838, Gleyre parte per un viaggio nel bacino mediterraneo (Sicilia, Malta, Corfu, Albania, Turchia, Grecia, Egitto e Libano) come disegnatore al servizio di un ricco industriale americano, John Lowell Jr. Nel 1840, di ritorno a Parigi dopo un'assenza di quasi dieci anni, partecipa alla decorazione del castello di Dampierre diretta dal grande pittore classicista Jean-Auguste-Dominique Ingres. Nel 1843, il suo dipinto ta Sera o Le illusioni perdute (Parigi, Musée du Louvre) s'impone al Salon e diventa l'icona di tutta una generazione. Grazie a questo successo, Gleyre entra nell'atelier del pittore Paul Delaroche dove insegnerà fino al 1870 e dove accoglierà, tra gli altri, i futuri impressionisti Bazille, Monet, Renoir, Sisley. Durante il decennio 1850-1860, stringe amicizia con alcune delle personalità più importanti in campo letterario e artistico, tra gli altri Gustave Flaubert, Alfred de Musset e Maxime Du Camp. Nel 1871, durante la guerra franco-tedesca, si rifugia in Svizzera. Torna a Parigi nel 1872 città nella quale morirà nel 1874, lasciando sul suo cavalletto uno schizzo sul tema del Paradiso terrestre.

A cura di Tomas Llorens, Blanca Pons Sorolla, Maria lopez Fernandez, Boye Llorens. Fondazione Ferrara Arte 2012, cm.23,5x28, pp.194 illustrazioni a colori, brossura con bandelle e copertina figurata a colori. Joaquín Sorolla è una delle personalità artistiche più affascinanti del panorama spagnolo in quel periodo cruciale segnato dalla diffusione dell'impressionismo e del simbolismo. Protagonista della Belle Epoque, celebrato ritrattista accanto a Sargent e Boldini, fu un maestro nel restituire sulla tela l'incanto della luce, con una pittura immediata e allo stesso tempo sapiente, che guarda alla lezione di Velázquez oltre che al paesaggismo nordico e francese dell'Ottocento. Per la prima volta in Italia, nel 2012 Palazzo dei Diamanti rende omaggio a questo grande artista con una mostra dedicata alla produzione della maturità. In questa fase della sua carriera, Sorolla è all'apice della notorietà e inizia a creare, soltanto per se stesso, opere di sorprendente modernità che hanno come tema privilegiato il giardino. Ad accogliere il visitatore è una suggestiva sequenza di ritratti di famiglia nella cornice di giardini con fontane, del 1906-07, capolavori nei quali le figure si fondono con l'atmosfera sfavillante di pennellate di colore puro o sembrano assorbite da un gioco di riflessi. Di fondamentale importanza nell'evoluzione del suo percorso artistico è l'incontro con l'Andalusia, come testimoniano i dipinti creati a più riprese dal 1908 al 1918. Quella terra, la sua cultura millenaria e la poesia delle sue architetture segnano profondamente l'immaginazione di Sorolla e concorrono ad ispirare la nascita di una poetica del silenzio e di una cifra stilistica personale ricca di risonanze simboliste.L'entusiasmo del pittore di fronte alla visione dell'Alhambra di Granada e della Sierra Nevada traspare dalle imponenti vedute della fortezza e dai cristallini scenari della catena montuosa, nei quali egli sperimenta una luce del tutto nuova e una pittura più essenziale. Anche le donne andaluse catturano la sua attenzione offrendo materia per visioni intime e raccolte o per messe in scena con tagli fotografici. Il nucleo centrale della mostra è dedicato alla straordinaria serie di dipinti che hanno per soggetto i patii e i giardini islamici della Spagna meridionale. In queste composizioni, da cui è bandita la presenza umana, i marmi, le ceramiche, le fontane e le aiuole evocano una polifonia di forme e colori, suoni e profumi. Il pennello dell'artista si sofferma sui riflessi dell'acqua e sulla luce che sembra dissolvere le architetture, dando forma ad una pittura sempre più pura e raffinata. La mostra si chiude con i capolavori ispirati al "giardino d'artista" creato da Sorolla nella nuova casa di Madrid. L'anziano pittore aveva dedicato molte energie alla costruzione di questo angolo di segreta bellezza, sul modello dei giardini di Siviglia e Granada, con una passione che ricorda quella profusa da Monet nel suo stagno di ninfee. E come Monet a Giverny, Sorolla trova nel proprio giardino una fonte inesauribile di spunti per tradurre sulla tela la lezione di essenzialità e lirismo appresa in Andalusia.

Washington, National Gallery of Art, 26 set. - 11 nov. 1990; Toronto, Art Gallery of Ontario, 19 dic. 1990 - 27 gen. 1991. Venezia Marsilio Editori 1990, cm.21x29, pp.110,(6), numerose tavv. a colori nt., brossura, copertina figurata a colori.

Un pittore senese della leggenda francescana. Prima traduzione italiana dall'originale inglese a cura di Achille Malavasi. Firenze, Electa Editrice 1946, cm.25,5x33, pp.128, 52 tavole bn. nel testo, legatura editoriale in cartone con titoli in oro al piatto anteriore e dorso. Edizione numerata in 840 esemplari, in ns.è il n685

Milano, Five Continents Editions 2005, cm.17x24, pp.80, illustrazioni. legatura editoriale cartonata. Collana Galleria delle Arti. Oscar Ghiglia (1876-1945), pittore livornese gravitante fra la sua città d'origine, Firenze e Castiglioncello, concilia la comprensione profonda della lezione pittorica di Giovanni Fattori e lo scarto fra la provincia macchiaiola e la Francia già cézanniana. Su tale alchimia si fondano le ragioni dell'odierno interesse. Sarà infatti l'apertura del pittore oltre che a Cézanne, a Van Gogh e Medardo Rosso, collezionati dall'amico Gustavo Sforni, e al sintetismo dei Nabis, a generare la presa di coscienza della propria autonomia dal linguaggio ottocentesco e toscano. Tentando in questi anni di rivivere "sulla propria pelle" l'esperienza di Fattori, Ghiglia la traduce, attraverso la propria visione interiore, in linguaggio novecentesco.

The Museum of Modern Art,New York 1980. A cura di W.Rubin. Introduzione di W.Rubin Traduzione di D.Bigalli. Milano, Rizzoli 1980, cm.23,5x27,5, pp.464, centinaia di illustrazioni bn.e a colori con sopraccoperta, legatura editoriale in tutta tela,sopraccoperta.

Padova, 27 settembre 2003-8 febbraio 2004. Venezia, Marsilio 2003, cm.21x28,5, pp.335, brossura copertina figurata a colori. Il volume è il catalogo della mostra di Padova (Palazzo Zabarella, 27 settembre 2003 - 8 febbraio 2004). Il periodo preso in considerazione da Fernando Mazzocca, storico dell'arte alla Statale di Milano, e Carlo Sisi, direttore della Galleria d'arte moderna di Palazzo Pitti, va dal 1848, anno della prima guerra di indipendenza, al 1870, anno in cui Roma viene ricongiunta all'Italia unita. Un'epoca ricca di speranze, e ancor più di fermenti, di voglia di nuovo, di necessità di rompere con l'autorità della tradizione. Di questo clima i Macchiaioli furono i protagonisti e di esso seppero dare un'altissima testimonianza nella loro pittura.

16 Febbraio - 26 Maggio GAM Torino Torino GAM 2002, cm.24x28, pp174, brossura con copertina figurata a colori.

London, Philip Wilson Publishers Limited 2005, cm.24x29, pp.342, legatura editoriale cartonata con sopraccoperta figurata a colori. Testo Inglese.

Prefazione di Roar Hauglid. Introduzione di Louis Grodecky. Pubblicato dalla New York Graphic Society in collaborazione con l'UNESCO. Milano, "Silvana" Editoriale d'Arte 1955, cm.34x48, pp.32, XXXII tavole a colori fuori testo e alcune figure e, tavv. in bianco e nero nel testo legatura editoriale in mezza tela. Collezione UNESCO dell'Arte Mondiale. Ex libris.

Milano, Abscondita 2023, cm.15,5x22, pp.176, illustrazioni. brossura copertina figurata a colori. Collana Album,2. 1907. Maddalena Carmen Frieda Kahlo Calderón nasce il 6 luglio a Coyoacàn, un sobborgo di Città del Messico, da Wilhelm Kahlo, un ebreo tedesco emigrato in Messico, e da Matilde Calderón y Gonzàlez. Ha due sorelle, Matilde e Adriana, e la terza, Cristina, nascerà l'anno dopo. Così la stessa Kahlo parla dei propri genitori e dei suoi primi anni di vita: «Nacqui a Coyoacán, all'angolo fra Londres e Allende. I miei genitori comprarono un terreno che faceva parte del podere di El Carmen e lì edificarono la loro casa. Mia madre era la maggiore dei dodici figli che ebbero i miei nonni, la spagnola Isabel, figlia di un generale, e Antonio, un indigeno di Morelia, Michoacán. Mia nonna e sua sorella Cristina avevano studiato nel convento delle suore Biscagline, dove furono accolte alla morte del generale. Di lì Isabel uscì per sposare Antonio Calderón, fotografo di professione che faceva dagherrotipi. Ricordo che a mia madre non mancò mai niente: nel suo comò c'erano sempre cinque pesos d'argento. Era una donna bassina, dagli occhi molto belli, dalla bocca sottile, scura. Era come una campanella di Oaxaca. Era nata a Città del Messico. Quando andava al mercato si stringeva con grazia la cintura e portava con fare civettuolo la sua cesta. Molto simpatica, attiva, intelligente. Non sapeva né leggere né scrivere, sapeva solo contare il denaro. Mia madre era amica delle comari, dei bambini e delle vecchie che venivano in casa nostra a dire il rosario...».

Firenze, Villa Bardini, 2021. A cura di Fabio Benzi. Montecatini Terme, Maschietto Editore 2021, cm.23x26, pp.280, 200 illustrazioni a colori. brossura copertina figurata a colori. Il volume, con più di duecento immagini, racconta l'opera di Galileo Chini, dalla formazione come decoratore a Firenze al viaggio in Siam, dalle esposizioni internazionali al ritiro in Versilia degli ultimi anni.Chini opera accanto alle avanguardie del Novecento, senza mai aderirvi, ma sviluppando un linguaggio personale, erede della tradizione rinascimentale e in stretto rapporto con quello che accadeva nel resto d'Europa: le opere di Beardsley, Bonnard, De Morgan, Klinger, presentate accanto a quelle di Chini, mostrano come questi si inserisse nel contesto internazionale di quegli anni, in continuo dialogo con le Secessioni mitteleuropee e gli Arts and crafts inglesi.Al testo di Fabio Benzi si affiancano saggi di Manuel Barrese, Sibilla Panerai e Francesco Parisi, che prendono in esame l'opera grafica di Chini, il suo lavoro di decoratore e di scenografo, e la storia della manifattura da lui fondata, l'Arte della Ceramica.

Paris, Galerie Gaubert, 3/10-21/12/1973. A cura di Philippe Jullian. Paris, Galerie Gaubert 1973, cm.19x28, pp.112, 78 ill.bn.ft, legatura editoriale copertina figurata a. a colori.

Fondaz.Mazzotta, 3/10/1999-23/1/2000. A cura di Magdalena M.Moeller. Milano, Mazzotta Ed. 1999, cm.24x30, pp.214, 165 figg.bn.e col.nt. brossura copertina figurata a colori. Si tratta del catalogo dell'esposizione di Milano (Fondazione Antonio Mazzotta, 3 ottobre 1999 - 23 gennaio 2000). Un'occasione per vedere lo stile della Brucke in tutte le sue tecniche, dal dipinto alla grafica, nei suoi soggetti preferiti e soprattutto in quella osmosi tra vita ed arte che è la caratteristica principale del gruppo. Viene presentata la collezione del Brucke-Museum di Berlino: una selezione di 165 opere, dalla formazione nell'estate del 1905 alla delineazione del vero stile Brucke (1909-10), fino allo sviluppo autonomo delle singole personalità con lo scioglimento del gruppo nel 1913.

Verona, Galleria dello Scudo, 6 Dicembre 1992- 31 Gennaio 1993. A cura di Renato Barilli. Milano, Edizioni Gabriele Mazzotta 1992, cm.24,5x28,5, pp.238, illustrazioni. legatura editoriale in tutta tela. Copertina figurata a colori. Collana Grandi Mostre. Il catalogo reca un fondamentale contributo di Renato Barilli ed è arricchito dai testi di Luigi Meneghelli e di Giuseppe Pontiggia, dedicati rispettivamente al linguaggio e alla personalità di Salvo, i cui rapporti più che ventennali con l'ambiente culturale tedesco sono sintetizzati nell'intervento del noto mercante d'arte Paul Maenz. Completano il volume un'autobiografia e il trattato "Della pittura" in cui nel 1980, l'artista ha raccolto il suo pensiero.

A cura di Daniele Benati, Lucia Peruzzi. Modena, Franco Cosimo Panini Ed. 2005, cm.21x29,5, pp.286, numerose illustrazioni bn.e a colori nel testo , brossura copertina figurata a colori.

Prefazione di André Grabar. Introduzione di Krsto Mijatev. Milano, Silvana Editoriale d'Arte 1964, cm.34x48, pp.28, 32 tavole a colori fuori testo , legatura editoriale in mz.tela, titoli al piatto anteriore e al dorso. Pubblicaz. della New York Graphic Society in collaborazione con l'Unesco. Collezione Unesco dell'Arte Mondiale.

A cura di Alessandro Castiglioni e Emma Zanella. Busto Arsizio, Nomos Edizioni 2021, cm.24x28, pp.262, illustrazioni a colori. brossura copertina figurata a colori. La grande mostra del Museo MA*GA con oltre 180 opere dei maggiori esponenti della pittura francese e italiana del Secondo Ottocento, da Géricault a Courbet, da Manet a Renoir, da Monet a Cézanne a Gauguin, da Boldini a De Nittis, provenienti da collezioni pubbliche e private italiane e francesi. La rassegna è curata da un comitato scientifico internazionale, composto da Gilles Chazal, già direttore del Petit Palais di Parigi, Vincenzo Sanfo, Fiorella Minervino, Virginia Hill, Paolo Castagnone, Alessandro Castiglioni, Vittoria Broggini, sotto la direzione di Emma Zanella e Sandrina Bandera, direttrice e presidente del Museo. La mostra racconta la rivoluzione stilistica messa in atto dal movimento nato in Francia alla fine del XIX secolo, attraverso un percorso che va alle origini dei linguaggi e delle questioni estetiche che caratterizzano la cultura visiva contemporanea. L'itinerario si articola in una serie di tematiche dedicate ad alcune questioni centrali dell'Impressionismo: la dialettica "accademia-realismo", la rinnovata attenzione alla natura, le prime immagini della vita moderna, fino all'allontanamento dalla lezione impressionista verso un linguaggio simbolista.