Arte Saggi

Numero monografico della rivista: Livorno cruciale. Quadrimestrale di Arte e Cultura, Numero 1. Pisa, ETS 2009, cm.17x24, pp.96 ill.a colori. brossura copertina figurata a colori. Al lettore che, certo incuriosito dal tema scelto per l'avvio definitivo di "Livorno cruciale", La caricatura, e forse sedotto dalla raffinata copertina illustrata da Alberto Gennari, sfoglierà queste pagine una domanda si pone immediata: quali sono i possibili nessi tra la velata ironia dei disegni di Alfredo Müller e Leonetto Cappiello, le vignette pubblicate da "Il Telegrafo", i rapidi appunti grafici stesi da Silvano Filippelli durante la sua vita di partito, "dove la verosimiglianza cede sempre il campo al segno del carattere" – come egli stesso scriveva – e infine le copertine strillate del "Vernacoliere" che dalle locandine delle edicole attirano almeno per un attimo lo sguardo distratto dei frettolosi passanti. Non di possibili nessi vogliamo parlare ma piuttosto di materiali che, assumendo Livorno come luogo privilegiato di osservazione, presentano differenti registri comunicativi. Vi è differenza di linguaggi infatti, ma vi è anche differenza di veicoli di comunicazione, anche se i palcoscenici sono, alla resa dei conti, affini. Müller e Cappiello coglievano con i loro disegni umoristici aspetti delle mode dell'epoca, dalla passione per la bicicletta che si andava diffondendo all'inizio del Novecento fino alla vita dei teatri: si tratta di abbreviate impressioni caricaturali dedicate a raduni mondani o a volti di celebri attrici, che dilagano sulle numerose riviste sciorinate nei chioschi parigini. Le caricature e le vignette satiriche che nei primi decenni del XX secolo appaiono sulle pagine del quotidiano cittadino "Il Telegrafo" seguono comunque il medesimo filone: prendono di mira i luoghi della mondanità livornese, dai Pancaldi al Politeama, e al contempo i personaggi più in vista della città. Le vignette di Gino Gamerra apriranno poi il versante ben assortito della satira politica. Di contro, per Silvano Filippelli, la caricatura ha una valenza tutta privata: è gesto quasi automatico per sottrarsi alla noia di prolungate riunioni. Vi è pur sempre nel tratto corsivo, nel disegno tracciato con immediatezza sulla pagina del taccuino o sulla carta intestata della Regione Toscana, il medesimo intento, quello di restituire quasi un'istantanea del personaggio. Diverso dunque è il valore comunicativo di tali segni grafici rimasti tra le carte dell'artista o anche affidati all’archivio di amici e collaboratori. E ancora un altro estremo, "Il Vernacoliere", veicolo di una satira politica e di costume il cui innegabile successo, anche a livello nazionale, molto deve più che all'immagine, pure di moderna accezione caricaturale, all'invenzione davvero inesauribile di notizie assolutamente improbabili, non importa se rivolte alla politica o all'annosa rivalità con i Pisani, "sparate" con caratteri aggressivi, composti senza apparenti regole sulle locandine. Dario Matteoni

Numero monografico della rivista: Livorno cruciale. Quadrimestrale di Arte e Cultura, Numero 2. Pisa, ETS 2010, cm.17x24, pp.96 ill.a colori. brossura copertina figurata a colori. La storia del collezionismo, le stagioni del gusto, le vicende del mercato a Livorno tra Ottocento e Novecento corrono spesso in parallelo con la storia e la fortuna delle gallerie d'arte. Ed è attraverso alcuni dei protagonisti di tale storia e fortuna che si è inteso in questo numero accendere i riflettori su un fervore di attività commerciale che ha contemplato nei secoli capitoli davvero fondamentali nella promozione degli artisti labronici dal XIX al XXI secolo. Se infatti Gino Romiti inaugurava negli anni Venti una geniale iniziativa commerciale nel suo studio-galleria, tra le sale di "Bottega d'Arte" avveniva l'epico confronto tra la pittura livornese e il Novecento Italiano, finché un promotore del gusto quale Bruno Giraldi garantiva nuove strategie per la diffusione delle avanguardie. Proseguono nel 2000 una tale prestigiosa tradizione tutte quelle gallerie che consentono, tra esposizioni monografiche, rassegne, premi, conferenze, da una parte l'approfondimento della stagione postmacchiaiola e novecentesca dall'altra, il rilancio e la diffusione delle avanguardie storiche, senza escludere infine momenti di illuminate e coraggiose proposte di giovani esordienti e non.

Un dialogo sul «destino attuale delle lettere e delle arti» . Firenze, Edifir 2015, cm.15x21, pp.62, brossura copertina figurata a colori. Collana Otto e Novecento. Collana di Storia dell'Arte e della Cultura,1.

A cura di Emanuele Greco. Firenze, Edifir 2016, cm.15x21,5, pp.166, brossura copertina figurata. Otto e Novecento. Collana di Storia dell'Arte e della Cultura. Le originali e brillanti letture di alcuni protagonisti dell'arte contemporanea (dall'impressionismo, alle avanguardie storiche, fino al "classicismo" degli anni del ritorno all'ordine) di un autore ancora oggi poco noto, Giorgio Castelfranco, la cui riscoperta permette una ricostruzione più articolata della storia della critica d'arte del Novecento in Italia.

Firenze, Edifir 2017, cm.16x24, pp.86, illustrazioni in bianco e nero. brossura copertina figurata. Collana Avere Disegno,1. La collana editoriale “Avere disegno” nasce dalla curiosità di conoscere ed approfondire un argomento storico-artistico che merita serio interesse: il disegno. Si vuole infatti indagare, tramite volumi miscellanei o monografici, l'attività grafica di artisti di qualsiasi disciplina senza limitazioni temporali (dagli albori del disegno fino all'arte contemporanea). Il disegno e l'incisione hanno destato negli ultimi vent'anni un crescente interesse non soltanto tra gli specialisti del settore ed i collezionisti ma anche tra gli studiosi di differenti discipline ed un pubblico di non addetti ai lavori. Per questo motivo si rende necessario uno strumento di divulgazione di studi e ricerche ancora inedite. La collana si avvale di un prestigioso Comitato Scientifico che permette di assicurarsi nei volumi contributi di alto valore scientifico, mai pubblicati prima. L'intento di questa impresa editoriale è presentare saggi, se possibile di giovani studiosi, che indaghino i vari aspetti della grafica d'arte: tecniche, conservazione dei manufatti su carta, indagini storiche, stilistiche, iconografiche ed iconologiche, approfondimenti sulle carte e le filigrane. La collaborazione tra Istituzioni pubbliche e private, le Università e gli studiosi è il fondamento per la crescita scientifica di un campo di ricerca, come quello sul disegno e la grafica, ancora da approfondire. La collana Avere disegno vuole essere uno strumento utile e di valido supporto agli studiosi, intrecciando le consuete ricerche storico-artistiche con quelle più settoriali del restauro e della conservazione.

Mit Textbeitragen von Chrysostomus Giner, Hans Nothdurfter, Helmut Stampfer, Eva Kreuzer Eccel, Karl Wolfsgruber. Athesia 1986, cm.25x29, pp.328, ill.colori. legatura editoriale in tutta tela, sopraccoperta figurata a colori.

Milano, Electa 1963, cm.26,6x35, pp.430 centinaia di figg.bn.e a colori nt. legatura editoriale in tutta tela grezza, sopraccoperta figurata a colori.

Milano, Feltrinelli 1969, cm.22,5x27,5, pp.204 ill.bn.e a colori. legatura editoriale in tutta tela, sopraccoperta figurata a colori.

A cura di Francesco Poli. Ivrea, Priuli & Verlucca Ed. 2007, cm.24,5x32,5, pp.192, num.figg.a col.nt. legatura editoriale in cofanetto con piatti figg.a colori. Un'occasione per conoscere o riscoprire le correnti artistiche che hanno animato il Novecento piemontese, secolo di importanti rivolgimenti storici e di grandi realizzazioni in tutti i campi, eppure per certi aspetti ancora da scoprire. Un prezioso compendio che annovera capolavori riconosciuti - dai dipinti di Giacomo Grosso a quelli di Felice Casorati, dalle architetture di Giuseppe Talucchi a quelle di Carlo Mollino e di Ettore Sottsass alle sculture di Leonardo Bistolfi a quelle di Mario Merz e Alighiero Boetti - ma non trascura opere e autori meno noti al grande pubblico.

Indice dei nomi e dei luoghi in appendice. Ivrea, Priuli & Verlucca Ed. 2002, cm.24,5x32,5, pp.192, num.figg.a col.nt. legatura editoriale in cofanetto con piatti figurati a colori. Collana Arte in Piemonte.

Poggio a Caiano, Associazione Culturale Ardengo Soffici 1992, cm.15,5x23, pp.189, 3 tavole bn. nel testo, brossura copertina figurata.

Trad.di Emilio Faccioli e Gino Baratto. Torino, Einaudi 1965, cm.15,5x21,5, pp.XLV,332, 362 illustrazioni bn. numerose a piena pagina, Legatura editoriale in tutta tela,sopraccoperta figurata a colori sopraccoperta trasparente in acetato. Biblioteca di Storia dell'Arte,3.

Castelgandolfo, Parrocchia Pontificia S.Tommaso 2005, cm.21x27, pp.138 ill.a colori. brossura copertina figurata a colori.

A cura di David Baurain, Céline Barbin. Milano, Silvana Editoriale 2023, cm.23x29, pp.202 illustrazioni a colori, brossura copertina figurata a colori. Site historique et patrimonial majeur de la région parisienne, le Domaine départemental de Sceaux fut créé en 1670 par Jean-Baptiste Colbert, qui y appela les plus grands artistes de son temps, d’André Le Nôtre à Charles Le Brun, de Jules Hardouin-Mansart à Antoine Coysevox. Passé entre les mains du marquis de Seignelay, fils du ministre de Louis XIV, puis entre celles du duc et de la duchesse du Maine, du duc de Penthièvre et enfin du duc et de la duchesse de Trévise, cet ensemble remarquable, bientôt menacé par l’extension galopante de la banlieue, était appelé à une disparition quasi certaine lorsqu’en 1923, à la suggestion du maire de Sceaux, il fut acquis in extremis par le département de la Seine à la princesse de Cystria, née Trévise, dernière propriétaire. 2023 marque ainsi le centenaire du passage de ce domaine exceptionnel du statut de propriété privée à celui de bien public, devenu en 1970 l’un des fleurons du département des Hauts-de-Seine qui en assure depuis l’entretien et la valorisation. L’exposition – dont cet ouvrage est le catalogue – revient sur le contexte, sur les raisons et sur les conditions de cette acquisition qui permit l’heureuse renaissance du domaine de Sceaux.

Firenze, Edifir 2018, cm.16,5x22, pp.196, ill. brossura con copertina figurata a colori. Il volume Santa Marta a Montopoli. Da monastero di clausura a scuola pubblica colma un vuoto storiografico. Mancava infatti una storia dell’edificio, che dall’alto della zona del Falcone svetta dall’abitato di Montopoli e domina la valle dell’Arno verso ovest, e della sua istituzione. Il mona-stero femminile agostiniano, le cui porte si sono chiuse dietro le prime 12 suore il 28 luglio 1619, nel 1785 è stato trasformato con le riforme leopoldine e dedicato all’istruzione dei giovani, fino alla chiusura dell’Istituto scolastico che in ultimo vi ha avuto sede, nel 2014. Si prospetta oggi per il complesso, gestito dalla Fondazione Conservatorio Santa Marta, un futuro legato alle iniziative culturali e museali.

Testimonianze di Ugo Attardi, Bruno Caruso, Domingo Notaro, Alberto Sughi. Da una idea originale di Milko Skofic. Roma, Edizioni Eldec 1999, cm.23x31, pp.218 ill.a bn.e colori con tavole su cartoncino lucido anche ripiegato . legatura editoriale in pelle con impressioni in oro al dorso e riproduzione sbalzata in oro al piatto. Cofanetto rigido telato.

Thames & Hudson 2006, cm.28x34, pp.480, legatura editoriale in tutta tela, sopraccoperta figurata a colori. This sumptuous book offers a full account of the origins and development of twenty-two of the most outstanding carved altarpieces from churches. An extensive introduction provides the necessary background to an understanding of the origin and evolution of altarpieces whilst the colour plates, specially commissioned for this book, capture the stunning details of these sculptures.

Traduzione di Augusto Menduni. Illustrazioni Elémire Zolla. Milano, SE 2023, cm.13x22, pp.132, appendice iconografica bn. fuori testo , brossura copertina figurata con bandelle,. Collana Testi e Documenti,155. «Rari sono i libri che possono cambiare la vita di chi li legge: questo è uno di essi. Chi sappia cavarne tutte le deduzioni, vede in modo nuovo la storia, ascolta altrimenti i suoni della natura e la musica, guarda diversamente le cose. Intanto le guarda con l'orecchio: impara a coglierne il ritmo, la vibrazione essenziale. A dire di che tratta, si fa presto: Schneider osservò i chiostri romanici di San Cugat, di Gerona e di Ripoll in Catalogna, annotò le figure fantastiche effigiate sui capitelli assegnando a ciascuno un valore musicale, quindi lesse come simboli di note le singole figure, basandosi sulle corrispondenze tramandate dalla tradizione indù, e scoprì infine che la serie corrispondeva alla esatta notazione degli inni gregoriani dedicati ai santi di quei chiostri. Le pietre cantavano, a saperle leggere, melodie precise. Fin qui ci sarebbe soltanto da rallegrarsi per un'operazione delle più brillanti di archeologia musicale, per l'avvio alla lettura musicale di chissà quanti altri complessi di scultura romanica. A trarre tutte le conseguenze che il caso impone, ci si accorge che vacilla il nostro mondo culturale, che la storia e i valori comunemente accettati tremano come figure d'un velo dipinto. Una lama di luce rade le tenebre della storiografia medioevale, una storia ignota emerge, si ha la prova che si trasmettevano nel Medioevo conoscenze metafisiche simili a quelle che avevano generato la teoria musicale indù; esisteva una conoscenza metafisica non trascritta su pergamene, ma urlata dai capitelli.» (Dallo scritto di Elémire Zolla)

Traduzione di Aurelio Pino. Milano, Abscondita 2023, cm.12,5x22, pp.152, brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Collana Aesthetica,7. Aby Warburg, indagando l'arte dalla prospettiva delle "sopravvivenze dell'antichità", riservò particolare attenzione a un'immagine conturbante, una figura femminile ornata di panneggi alla quale diede il nome di Ninfa. Questo studio prolunga la ricerca warburgiana di Ninfa e interroga il motivo del corpo femminile e del panneggio attraverso le sue metamorfosi contemporanee. A partire dalle figure languide delle Veneri rinascimentali e dalle sante martiri barocche, si delinea un movimento che culminerà in artisti quali Brassäi, Moholy-Nagy, Alain Fleischer, Atget e Picasso. Gli artisti moderni, volgendo lo sguardo agli scarti e alle figure miserevoli che giacciono sui marciapiedi delle grandi città, riveleranno le ultime incarnazioni di Ninfa.

A cura di Luca Quattrocchi. Milano, Abscondita Ed. 2023, cm.14x21, pp.200, alcune figure bn. nel testo, brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Collana Carte d'Artisti,37. «Auguste Rodin è l'artefice di un'opera che cresce ogni giorno, incessantemente, come una foresta. Un'opera che cresce nella purezza, solitaria e immersa nella grande natura eterna», scrive Rilke, l'interprete più profondo, più commosso del celebre scultore. E di quest'opera «pura e solitaria» lo stesso Rodin ci parla nelle conversazioni raccolte da Paul Gsell nel 1911. Ci descrive la genesi delle sue opere più famose, celebra la bellezza del corpo femminile e del creato, ci narra i suoi incontri con i maestri del passato, come Michelangelo, o contemporanei, come Victor Hugo. Ci parla della sua concezione dell'arte, dell'uomo, della natura, di Dio, quel «Dio che come una forza ignota governa le leggi universali». Di questa forza ignota, dice Rodin, «io seguo la strada, grazie all'istinto che essa stessa mi ha dato. Molti di noi per mezzo della voluttà, altri per mezzo del dolore, tutti procediamo verso di lei; siamo la sua creazione, siamo le sue forze, siamo la sua infinita varietà».

Traduzione di Irene Bernardini, Enza Cini. Milano, Abscondita Ed. 2023, cm.13x22, pp.124, numerose figure bn. nel testo e fuori testo, brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Collana Carte d'Artisti,88. È proprio dei grandi spiriti sollecitare indagini e interpretazioni talvolta antitetiche tra loro, soprattutto quando, come nel caso di Hieronymus Bosch, la loro opera è enigmatica e la loro vicenda umana rimane avvolta in un alone di leggenda impenetrabile. Wilhelm Fraenger, che ha dedicato la propria vita di studioso all'opera di Bosch, approfondisce qui le tesi già esposte nel Regno millenario (pubblicato in questa stessa collana) secondo cui l'arte del "Virgilio della pittura olandese" sarebbe una proiezione del messaggio religioso e rituale della comunità adamitica dei "fratelli del Libero Spirito", ai cui misteri il pittore sarebbe stato iniziato. Secondo questa tesi, enigmatica e affascinante, Bosch non è dunque soltanto uno straordinario inventore di immagini: la sua è una visione del mondo che in ogni particolare obbedisce a un disegno allegorico di vaste dimensioni, in cui fonti teologiche, tradizione ermetica e metamorfosi alchemiche sono evocate con immagini di eccezionale pregnanza figurativa.

Traduzione di Donatella Pini e Maria Pia Tosti Croce. Milano, SE 2023, cm.13x22, pp.132, appendice iconografica bn. fuori testo , brossura copertina figurata con bandelle. Collana Testi e Documenti,209. «Questo è l’ultimo giorno del mio viaggio. Sono salito sul monte Pellegrino in una splendida mattinata, e sono stato colto da tristezza al pensiero di lasciare così grandiosa e impareggiabile bellezza. Se soltanto uno potesse impadronirsene e serbarla entro di sé, sarebbe un dio».

Traduzione di Claudia Zonghetti. A cura di Natalino Valentini. Milano, SE 2023, cm.11x19,5, pp.108 , numerose figure bn. nel testo e fuori testo, brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Collana Piccola Enciclopedia,251, «Passando attraverso le diverse esperienze della conoscenza e della scienza, Florenskij approda progressivamente ai fondamenti spirituali della sapienza e della mistica cristiana, che egli esplora anche attraverso l’esperienza vissuta dai primi Padri del deserto, evocata dalle testimonianze e dai loro scritti ascetici. La verace esperienza spirituale vissuta da Antonio, padre di tutti i monaci e modello originario dell’ascesi cristiana, viene riproposta dal filosofo russo salvandola dal baratro nichilista verso il quale la sospinge il celebre romanzo di Flaubert, ma anche da ogni deriva positivista e laicista. Già a partire dalla figura di Antonio il monachesimo appare come attraversato da quelle luci e ombre che animano e scuotono il mondo, ma sempre nella costante tensione antinomica tra attesa e compimento, memoria e profezia. Antonio lascia trasparire, nella sua estrema nudità, la cifra segreta che lo inabita, l’eschaton verso il quale è perennemente rivolto.» (dallo scritto di Natalino Valentini)

A cura di Sandrina Bandera, Alessandro Castiglioni, Emma Zanella. Edited by Sandrina Bandera, Alessandro Castiglioni, Emma Zanella. English edition. Milano, Skira 2018, cm.17x24,5, pp.176 ill.a colori. legatura editoriale copertina figurata a colori. The book features eighty paintings and drawings, most of which unpublished, which shed a completely new light on the artistic activities of the father of the Beat Generation. A special focus is given to analysing his labyrinthic creative process and his relationships with traditional American visual culture, and with other Beat movement authors from Allen Ginsberg to William Burroughs and the masters of Art Informel and the New York School with whom Kerouac started hanging out in the latter half of the 1950s.