Arte Pittura

Firenze, Del Turco Editore già Arnaud Editore 1949, cm.18x25, pp.248, 214 tavole in bn. fuori testo in append., legatura editoriale in tutta tela, impress. in oro al piatto anteriore e titoli in oro al dorso.

ESSEGI 2016, cm.21x30, pp.104 illustrato a colori. brossura con copertina figurata a colori.

A cura di Elisabetta Matteucci. Viareggio, Fondazione Matteucci per L'Arte Moderna 2018, cm.17x24, pp.170, illustrazioni in bianco e nero e a colori, tavole a colori. brossura copertina figurata a colori. L'appuntamento estivo del Centro Matteucci per l'Arte Moderna è, quest'anno, riservato ad Oscar Ghiglia, il più italiano ed insieme il più europeo degli artisti italiani d'inizio Novecento Con una monografica selezionatissima che, accanto ai capolavori più noti di colui che, in modo del tutto personale, ha saputo aggiornare la lezione di Fattori, propone, per la prima volta, una ventina di opere fondamentali, che sino ad ora, mai erano uscite dai raffinati salotti di un collezionista d'eccezione."Oscar Ghiglia. Classico e moderno", la mostra curata da Elisabetta Matteucci, sarà visibile al Centro Matteucci dal 7 luglio al 4 novembre."In Italia non c'è nulla, sono stato dappertutto. Non c'è pittura che valga. Sono stato a Venezia, negli studi. In Italia, c'è Ghiglia. C'è Oscar Ghiglia e basta". La nota affermazione di Modigliani, riferita da Anselmo Bucci nei "Ricordi parigini" (1931), contrasta con il silenzio venutosi a creare attorno a Ghiglia dopo la morte. Condizione riservata, come osservava Carlo Ludovico Ragghianti nel 1967 in occasione della mostra "Arte Moderna in Italia. 1915-1935", a quell'intera generazione d'artisti penalizzata dal "giudizio negativo sul fascismo".È con gli studi di Raffaele Monti e Renato Barilli della metà degli anni settanta, confluiti in una serie di mostre monografiche rivelatrici di un grande talento, che il livornese comincia ad essere preso in considerazione, rappresentando un "caso" che incarna, in termini esemplari, la cultura figurativa dei primi decenni del Novecento. Una pittura, la sua, priva di contaminazioni anche per il tratto umbratile e scontroso del personaggio, non molto aperto alle relazioni, spesso in contrasto anche con amici vicini, come Giovanni Papini e Amedeo Modigliani.Se del primo, dopo la condivisione delle idee attraverso la collaborazione con Spadini, Borgese e Prezzolini al "Leonardo", mal digerì la svolta futurista, della frattura con il secondo sfuggono le ragioni. A testimonianza di un sodalizio, che per i riflessi sull'opera appare tra i più fertili e intensi dell'arte moderna, restano le famose cinque lettere inviate, nel 1901, durante il soggiorno a Venezia e Capri, da Modigliani a Ghiglia; il tono è di un giovane che, aprendosi al mondo, intravede nell'artista più maturo il proprio alter ego.Formatosi nella Firenze "modernista" delle mostre rivoluzionarie della Promotrice e di Palazzo Corsini, da autodidatta di grande talento Ghiglia si rivela tra i più ricettivi alle nuove istanze cosmopolite, declinanti in una pittura di pura invenzione, dove classico e moderno idealmente si fondono. A cogliere in anticipo l'essenza di questo doppio registro è Llewelyn Lloyd che definisce l'arte dell'amico "originalissima non somigliante a nessun'altra, che non ha punti di riferimento né coi macchiaioli toscani né con l'impressionismo francese". Nell'estrema generosità, il giudizio tralascia, però, i poli essenziali di riferimento: Fattori e Cézanne, dei quali Ghiglia ha percepito l'elevata caratura, rapportandovisi come ad un magistero più che come ad un modello .Negli oltre quaranta capolavori in mostra tali radici emergono inequivocabilmente, sebbene il livornese non abbia mai smesso di guardare al di là delle Alpi.In una lettera a Natali allora a Parigi scrive: "Perché non vai a trovare Rosso? Come italiano e giovine artista tu dovresti farlo (...) Digli che io lo saluto considerandolo una delle più grandi glorie di questo secolo e che spero di poterlo presto abbracciare. Sono contento che ti piaccia Van Gogh, ma cerca ancora di vedere Cézanne, ti convincerai che il passato, così, è l'avvenire".

Giovanna e Filippo Bacci di Capaci. Studio d'Arte dell'Ottocento 2005, cm.21x24, pp.88, illustrato a colori. brossura con copertina figurata a colori.

Grand Palais, 1973. Editions des Musées Nationaux 1973, cm.16x21, pp.80, brossura con copertina figurata a colori.

A cura di Enzo Dall'Olio. 1993, cm.16x24, pp.94, numerose tavole a colori nel testo, brossura con copertina figurata a colori.

2000, cm.20x26, pp.34, illustrato a colori. brossura con copertina figurata a colori.

Realizzata dall'Ente Manifestazioni Milanesi, Palazzo Reale. Aprile Maggio 1962. Milano, Bramante Editrice 1962, cm.19x24, pp.108, 114 tavole bn.e a colori nel testo, brossura con sopraccoperta figurata a colori.

Pordenone,4/4-27/6/1971. A cura di Giuseppe Maria Pilo. Milano, Electa 1971, cm.25,5x28, pp.201, 203 figure bn.e a colori appl. nel testo, legatura editoriale in tutta tela. Sopraccoperta figurata a colori.

A cura di Elisabetta Palminteri Matteucci. Centro Matteucci per l'Arte Moderna 2011, cm.23x30, pp.215, illustrazioni a colori, brossura copertina figurata a colori. Mario Borgiotti, nato a Livorno nel 1906, ma fiorentino d'adozione, è stato, per oltre quarant'anni, il vero punto di riferimento per la conoscenza e la valorizzazione della pittura toscana di area macchiaiola. La sua azione si è sviluppata soprattutto nell'ambito delle personalità che hanno aggiornato il linguaggio di questa scuola. L'opera di Lega, Fattori, Signorini, Abbati, Borrani, Cabianca, d'Ancona e di altri protagonisti del gruppo appare oggi più definita nella sua totalità grazie al recupero di dipinti inediti o erroneamente attribuiti. Autodidatta, Borgiotti fu personalità complessa e attraente anche per le qualità segretamente coltivate, come il dipingere e la generosità nei confronti di ogni iniziativa culturale. Era dotato, in modo eccezionale, della capacità di percepire i valori pittorici nella loro essenza, distinguendo con uno sguardo il capolavoro dall'opera comune. Anche per questo Borgiotti è stato uno degli ultimi, grandi esempi di una "razza di connaisseur" in via d'estinzione. Del suo finissimo gusto e del suo temutissimo "occhio", sono testimonianza le opere raccolte in questa magnifica esposizione: circa una sessantina di dipinti, selezionatissimi, tutti "imprescindibili" per capire il gusto di un uomo senza il quale oggi, probabilmente, i Macchiaoli non godrebbero del prestigio e della fama di cui invece, meritatamente, godono. Sono capolavori della pittura macchiaiola, reperiti da Borgiotti nell'arco di una vita e oggi confluiti nelle più famose raccolte italiane. Il progetto espositivo privilegia la qualità e il significato di quadri esemplari, poco noti o non più visti da tempo, e mira a ricostruire le fasi salienti di un'avventura critica scandita da pubblicazioni esemplari: i Macchiaioli, 1946, Capolavori macchiaioli, 1949, Poesia dei Macchiaioli, 1958, i Grandi pittori dell'Ottocento italiano, 1961, The "Macchiaioli", 1963, Genio dei Macchiaioli, 1964, la lezione pittorica di Fattori, 1968. Un vasto compendio bibliografico, insomma, arricchito da un prezioso apparato iconografico costituito da dipinti dei quali si era persa ogni traccia. Ed è proprio di questo compendio di indubbio valore storico-documentario, destinato, nel tempo, ad assumere sempre maggior rilievo per gli studi sulla pittura italiana del secondo Ottocento, che intende dar conto la mostra promossa dal Centro Matteucci. Nel percorso idealmente scandito dalle pubblicazioni di Borgiotti spicca l'accurata selezione di dipinti. Il visitatore ha così la sensazione di entrare nel libro, ammirando opere come la scolarina, Maremma, Episodio della campagna contro il brigantaggio e la libecciata a Castiglioncello di Fattori; l'uscita dalla messa di Puccinelli; tra i fiori del giardino, le rose della primavera e l'adolescente di Lega; il Ponte Vecchio a Firenze, Uliveta a Settignano e Bimbi a Settignano di Signorini; Lido con buoi al pascolo, Mura di San Gimignano di Abbati; Case al sole, Pagliai a Castiglioncello e Scogli a Castiglioncello di Sernesi; Paesaggio pistoiese, la pittrice, Mattino sul Mugnone di Borrani; in ritorno dalla messa di Banti; nel chiostro, Acquaiola nel castello di San Giorgio a la Spezia, di Cabianca; Riva della Senna, Portico di villa toscana e Grano maturo di De Tivoli, il solletico di Cecioni e Via del Maglio di d'Ancona. Il personaggio Borgiotti, indagato nei diversi aspetti della sua non comune vicenda umana, è affrontato dalla curatrice del progetto Elisabetta Palminteri Matteucci e da altri noti specialisti e studiosi quali Luciano Berrnardini, Silvestra Bietoletti, Nicoletta Colombo, Laura Dinelli, Francesca Dini, Simonella Condemi Vincenzo Farinella, Nadia Marchioni, Paul Nicholls, Francesca Panconi. "Genio dei Macchiaioli. Mario Borgiotti: occhio conoscitore, anima di collezionista" Viareggio, Centro Matteucci per l'Arte Moderna, via d'Annunzio 28. 1 luglio - 13 novembre 2011

Torino,30/1-7/4/1996. Milano, Fabbri 1996, cm.21x27, pp.280, numerose figure e tavole bn.e a colori nel testo, brossura copertina figurata a colori. Collana I Maestri del Novecento.

Traduzione di Paola Ojetti. Venezia, Alfieri 1970, cm.23x31, pp.240, 137 tavole bn.e a colori nel testo, legatura editoriale in tutta tela, con sopraccoperta figurata a colori.

Livorno,Museo Civico-Villa Fabbricotti,3/08-15/09/1974. Pres.critica di D.Durbé. A cura di G.Daddi. Lecco, Grafiche Stefanoni s.d.ca.1975, cm.21,5x24, pp.108, 139 figure bn.e 24 tavole a colori nel testo, brossura copertina figurata a colori.

Con un pensiero sul Risorgimento di C.A.Ciampi. A cura di F.Dini. Schede a cura di R.Campana. Firenze, Ediz.Polistampa 2003, cm.24x31, pp.237, 72 tavole bn.e a colori nel testo , brossura copertina figurata a colori.

Firenze, Sillabe Ediz. 2002, cm.24,5x31, pp.192 numerose figure bn.e a colori nel testo, legatura editoriale in tutta tela, con sopraccoperta figurata a colori.

Livorno, Sillabe Edizioni 1998, cm.24x29,5, pp.184, numerose figure a colori nel testo, brossura copertina con bandelle. La mostra "La natura morta a palazzo e in villa. Le collezioni dei Medici e dei Lorena" ha avuto una lunga gestazione per l'ampiezza dell'impegno dovuto al grande numero di dipinti di questo soggetto giunti fino a noi e conservati in gran parte nei depositi di Palazzo Pitti. Il libro ripercorre puntualmente il collezionismo e il mecenatismo medicei di questo particolare genere pittorico tra il XVII e gli inizi del XVIII secolo. Si apre con il celebre Bacco di Caravaggio (Firenze, Uffizi), dono di Ferdinando I de' Medici, e prosegue con oltre novanta opere di pittori italiani e olandesi, molte inedite, alcune recentemente restaurate e tutte di grandissimo interesse artistico. Tra gli autori si segnalano: Willelm van Aelst, Bartolomeo Bimbi, Margherita Caffi, Giuseppe Maria Crespi, Carlo Dolci, Giovanna Garzoni, Davids de Heem, Nicola van Houbraken, Marseus van Schrieck, Andrea Scacciati. Si tratta di un testo unico nel suo genere in quanto rappresenta un capitolo inedito della storia del collezionismo e della pittura italiana.

Poggio a Caiano, 13 settembre-14 dicembre 2014. A cura di M. M. Simari, E. Acanfora. Livorno, Sillabe 2014, cm.21,5x22, pp.124, numerose figure a colori, legatura editoriale con sopraccoperta. English and italian edition. La pittura su pergamena ebbe un notevole successo a Firenze dalla metà del Seicento fino alla metà del Settecento; i soggetti scelti furono i fiori raffigurati in scenografici mazzi multicolori o a singoli esemplari magari affiancati ad animali. La fedeltà naturalistica si accompagnava alla gradevolezza delle immagini che venivano collezionate da diversi personaggi della famiglia de' Medici per ornare le loro residenze di città e di campagna. Principale rappresentante di questo genere di pittura su cartapecora fu la pittrice ascolana Giovanna Garzoni (1600-1670) che soggiornò a Firenze verso la metà del Seicento. Sono state inoltre rintracciate rare pergamene dipinte da artisti attivi nella prima metà del Settecento quali Lorenzo Todini, Alessandro Marsili e Francesco Narvaez e Luisa Maria Vitelli. La pubblicazione intende esplorare un campo poco studiato e sarà organizzato con alcuni brevi saggi sul collezionismo di pergamene dipinte e sugli artisti dediti a questo genere, saggi seguiti dalle schede storiche sulle 26 opere esposte nella mostra accompagnate da foto a piena pagina per restituire la qualità e la piacevolezza di pitture che per la delicatezza e la sensibilità del loro supporto possono venire esposte al pubblico per tempi molto limitati alternati a lunghi periodi di conservazione in deposito controllato. Corredano il catalogo gli schemi grafici con i riconoscimenti botanici realizzati da Paolo Luzzi.

Forlì, Musei San Domenico 24 gennaio-20 giungo 2010. A cura di Daniele benati, Fernando Mazzocca e Alessandro Morandotti. Milano, Silvana 2010, cm23x29, pp.384, numerose figure a colori nel testo, brossura copertina figurata a colori. Caravaggio era solito dire che la stessa abilità ("tanta manifattura") era necessaria "a fare un quadro buono di fiori, come di figure". Da queste parole, che, muovendo contro la gerarchia ormai codificata dei generi pittorici, sostengono in modo rivoluzionario la dignità di ogni aspetto del reale, anche il più minuto, la mostra prende spunto per illustrare il rapporto di attrazione e di sfida che un soggetto particolare, i fiori, mantiene per i maggiori artisti del Seicento, al di là di ogni specialismo. In quel momento storico il rapporto diretto col vero si coglie al livello più alto nei misteriosi "Fiori in una fiasca impagliata" dei Musei di Forlì, un dipinto che si carica, forse proprio per la sua apparente semplicità, di forti valenze simboliche. La sua tormentata vicenda attributiva, tuttora irrisolta, sta probabilmente a indicare che il suo autore non era forse un pittore "di fiori", bensì un artista che si cimenta eccezionalmente in questo campo, un po' come avvenne nel caso di Caravaggio. Vedere oggi quel quadro accanto ad alcune significative opere assegnabili ad altri artisti ai quali il dipinto di Forlì è stato attribuito nel passato permetterà non solo di ripensarne meglio la data e il contesto, ma anche di comprendere la forza di attrazione che il nuovo genere della natura morta dovette rappresentare per i maggiori artisti del tempo.

Presentazione di Corrado Cagli. Milano, Rizzoli 1969, cm.24x32, pp.144, 64 tavole a colori fuori testo e catalogo gen. con illustrazioni in bn. nel testo , legatura editoriale cartonata, copertina figurata a colori. Collana Classici dell'Arte,32.

Lugano, Museo d'Arte Moderna,27/6/1999. A cura di Rudy Chiappini. Milano, Skira Ed. 1999, cm.25x28, pp.245, con oltre 100 tavole a colori e numerose illustrazioni bn.e co, brossura con bandelle, copertina figurata a colori.

A cura di Janus. Catalogo Della Mostra Di Firenze, Sala Delle Esposizioni In Piazza San Marco, 9 Dicembre 1999 - 9 Gennaio 2000. Firenze, Edizioni Polistampa 1999, cm.24x23, pp.102, illustrazioni, tavole a colori. brossura. Collana Accademia delle Arti del Disegno. Monografie, 19. Testo Italiano e Inglese. "Ho voluto fortemente quest'esposizione fiorentina di opere recenti di Gregory Deane; pittore di grandi qualità poetiche, molto apprezzato in America, e segnatamente in California, che ho avuto la fortuna di conoscere negli Stati Uniti grazie all'amicizia che mi lega ad alcuni suoi appassionati collezionisti.La moderna connotazione formale delle sue vibranti, e nel contempo soavi composizioni mi pare meriti d'essere conosciuta più a fondo in una città come Firenze, che di arte vive, ma che forse non è abbastanza attenta alle voci contemporanee" (Vicky Galati Indelli).Il volume, oltre alla premessa di Vicky Galati Indelli, contiene un saggio di Antonio Natali, L'informale discreto di Gregory Deane, il catalogo con le riproduzioni a colori di 36 opere, una biografia, cronologie espositive.

Locarno, 1987 . Testi di Roberto Tassi e Rudy Chiappini. Milano, Edizioni Gabriele Mazzotta 1987, cm.22x24, pp.160, 63 illustrazioni a colori. legatura editoriale cartonata con sopraccoperta figurata a colori. Collana Biblioteca d'Arte.

A cura di Janus. Catalogo Della Mostra Di Firenze, Sala Delle Esposizioni In Piazza San Marco, 9 Dicembre 1999 - 9 Gennaio 2000. Firenze, Edizioni Polistampa 1999, cm.24x23, pp.88, illustrazioni brossura. Collana Accademia delle Arti del Disegno,6.

A cura di Francesca Cagianelli e Daario Matteoni. Cinisello Balsamo, Silvana Editoriale 2008, cm.23x28, pp.240, illustrazioni in bianco e nero, 145 illustrazioni a colori. brossura copertina figurata a colori, Guantate, ornate di piume e boa, l'ombrellino nel pugno, il cappellino alla moda, le aristocratiche e le dive fin de siede esibiscono una civetteria sognante e nervosa. Sono le coquettes celebrate da Jules Claretie nel 1876 in "L'art et les artistes frangais contemporains", quelle stesse raffigurate da Giuseppe De Nittis, Giovanni Boldini, Vittorio Matteo Corcos. Definitivamente esonerate dal ruolo domestico, le protagoniste della Belle Epoque rivelano la loro personalità più eterea e seducente nel rinnovato incanto di una natura ora radiosa, ora malinconica, ma che sempre riflette il mistero delle stagioni della vita. Proseguono lungo gli itinerari ameni di una villeggiatura improntata al lusso e alla mondanità le tappe di una femminilità sempre più incline alla civetteria e sempre più prigioniera di stati mentali erratici e sognanti. Dalla tradizionale passeggiata in calesse verso gli ippodromi e i campi da tennis, il volto della femminilità dispiega ora espressioni di una emancipazione serrata, dove si afferma il ruolo della donna-amazzone. E se la dama Belle Epoque appare nel frattempo interprete di un'eleganza sempre più estenuata, affidata a ricercate nuances, essa è destinata a trasformarsi progressivamente in vera femme fatale: sfilano, proiettate su palcoscenici di una sempre più contraddittoria mondanità, dive e chanteuses di impareggiabile fascino.