Arte Saggi

Milano Mondadori Electa 2008, cm.17x24, pp.272, brossura cop.con bandelle. Un gruppo di studenti della Scuola di Specializzazione in Storia dell'Arte di Siena, coordinato da Enrico Crispolti, ha realizzato delle interviste a cento artisti contemporanei italiani, di fatto i più significativi. Ogni artista ha risposto con il suo linguaggio, in modo più o meno esplicito o esauriente, alle domande che riguardano l'etica e l'estetica del suo lavoro, i maestri e compagni di strada, la committenza e la "grande occasione", la dimensione del tempo (durata e memoria)

Patrimonio e paesaggio tra mali e rimedi. Milano, Electa 2007, cm.15x21, pp.382, brossura. Alternando i molti cattivi episodi a qualche buon esempio, l'autore insiste sulla rilevanza civile dell'impegno per la difesa del territorio, del paesaggio, dei centri storici e del patrimonio artistico e archeologico degli ultimi venti anni. Adottando la forma del diario con data e luogo, il volume intende richiamare l'attenzione della pubblica opinione e delle istituzioni su argomenti spinosi quali le battaglie per il buon governo del patrimonio artistico e culturale. Il volume si articola in capitoli tematici: i cosiddetti disastri naturali e artificiali; gli usi propri e impropri del patrimonio architettonico e archeologico; la vecchia e la nuova legislazione dei Beni culturali e infine il ruolo del turismo in Italia.

Milano, Electa 2009, cm.15x21, pp.98, brossura. Tra il Sei e il Novecento, nella Edo del mondo fluttuante, vera città nella città, con i suoi personaggi e le sue regole di comportamento: raffinate e spietate a un tempo. Era il celebre quartiere di Yoshiwara, la città senza notte. I due volumetti Seiro nenju gyoji (Annali delle case verdi) furono realizzati nel 1804 con le illustrazioni straordinarie di Utamaro, il più acclamato artista della bellezza femminile di tutta l'arte asiatica, e con il testo scritto dal grande romanziere giapponese dell'Ottocento Jippensha. Versi e immagini, distillati in un prezioso manuale, introducono alla vita delle cortigiane di Edo, l'antica Tokyo, dai primi anni dalla loro vita alle vette della gloria; una guida per chi aspiri a diventare tsujin, raffinato esteta e gaudente della città senza notte. Un vero spaccato nella società proto-moderna di quella che già era, e da oltre un secolo, la più grande metropoli del mondo.

Milano, Rizzoli Ed. 1999, cm.17x20,5, pp.238, brossura cop.fig.a col.

Milano, Electa 2011, cm.15x21, pp.159, brossura. "Gli esordi in pittura di Gillo Dorfles risalgono intorno al 1935, quando realizza una serie di dipinti eseguiti con la raffinata tecnica della tempera grassa all'uovo; in essi una spiritualità diffusa anima paesaggi misteriosi, dove vitali enigmatiche presenze aleggiano in composizioni simboliche surreali rivelando forze, tensioni, entità quali elementi fondamentali di un mondo sottostante alla realtà tangibile: preludio allo sviluppo di varie forme espressive poi approfondite, dipinte da Dorfles nei decenni successivi. Tutto questo mondo ermetico, misterioso e fantastico che lo caratterizza era già racchiuso nelle tre figure che il giovane Dorfles aveva disegnato a china, a vent'anni, su un foglietto che porta la data 1930: un vero e proprio significativo incunabolo della sua produzione. L'originalità di questo lavoro consiste nel fatto che le tre complesse figure biomorfiche, emergendo da uno sfondo nero, emanano una vitalità enigmatica e coinvolgente: sono i suoi primi curiosi personaggi le cui espressioni e membra al confine tra il mondo animale e vegetale, oltre che umano, sembrano avere la funzione di captare, come antenne tese nello spazio, i rapporti di forza e le tensioni che regolano la vita. Queste creature tipiche della sua espressione artistica nascono, come lo stesso Dorfles ebbe modo di raccontarmi, da un substrato inconscio formatosi nell'adolescenza osservando alcuni disegni analoghi che suo padre si compiaceva di schizzare..." (Franco Bernabè)

Milano-Napoli, Electa Napoli 2010, cm.15x21, pp.73, brossura. In occasione dei vent'anni della scomparsa di Filiberto Menna, la Fondazione a lui dedicata, con un convegno, a cura di Achille Bonito Oliva e di Angelo Trimarco, e una mostra, per la regia di Stefania Zuliani, ha inteso riproporre alla cultura italiana e internazionale alcuni luoghi essenziali del pensiero dello studioso, figura irrinunciabile della scena dell'arte e della critica d'arte del secondo dopoguerra. Il convegno e la mostra, non a caso, si sono chiamati, assumendo ad emblema i titoli di due suoi volumi cardine, rispettivamente, "Il progetto moderno dell'arte" e "Filiberto Menna. La linea analitica dell'arte contemporanea". Dove la sostituzione di "moderno" con "contemporaneo" - il titolo del libro di Menna, sappiamo, è "La linea analitica dell'arte moderna. Le figure e le icone" - non vuole indicare né un semplice scorrimento cronologico né una correzione di rotta, quanto, piuttosto, ribadire la convinzione che, anche nel campo aperto e inquieto del presente dell'arte, è possibile un riscontro delle sue idee e dei suoi orientamenti. Il volume intende ripercorre questa doppia valenza del progetto presentando gli esiti del convegno e il lavoro dei vari artisti coinvolti nell'esposizione: Meris Angioletti, Filippo Centenari, Sabine Delafon, Luca Francesconi, Mariangela Levita, Domenico Antonio Mancini, Luisa Rabbia e Ciro Vitale che hanno dialogato con Filiberto Menna nello spazio della linea analitica.

Milano, Electa 2013, cm.14x21, pp.110, brossura. Il saggio prende le mosse dalla constatazione che faceva Arnaldo Momigliano e cioè che le tracce della nostra storia nei monumenti, nel paesaggio sono così imponenti da incuriosirci e obbligarci a studiare il passato per capire una parte importante di noi stessi, soprattutto in un'epoca in cui il modello culturale occidentale, quello che affonda le sue radici nel mondo classico, pare sospinto verso una marginalità che si frantuma nell'impatto con altre culture ansiose di emergere. Comprendiamo così come le rovine conservino da un lato l'immagine di "memento mori", allusione romantica alla transitorietà di ogni opera umana, al passaggio inesorabile del tempo, al declino delle civiltà, al disfacimento delle culture, profezia di un destino possibile perché non c'è requie alla distruzione; dall'altro esse costituiscono fortunatamente il simbolo della caparbia resistenza degli esseri umani di fronte alle sciagure peggiori e serbano il carattere distintivo e inalienabile della nostra identità culturale.

Con uno scritto di Milan Kundera. Traduzione di Clarissa Martini. Milano, Abscondita Ed. 2023, cm.13x22, pp.112, numerose figure bn. nel testo, brossura copertina figurata a colori. Coll.Carte d'Artisti,179. «Il problema principale, per l’artista, è riuscire a fare qualcosa che si vede con il proprio istinto, anche se non ci si riesce quasi mai. È un obiettivo cui ci si può al massimo avvicinare. Ma è questo il problema principale: arrivare a fare qualcosa istintivamente. Quanto poi a spiegare l’istinto, la questione è troppo complessa. Osservando la trasformazione della pittura nel corso dei secoli, è legittimo chiedersi se di secolo in secolo non si trasformi anche l’istinto, se non sia modificato da tutto quel che si vede, da tutto quel che si sente. Non so bene. Quel che posso dire è che l’istinto si impone. Si potrebbe forse spiegare la maniera con cui un’immagine viene creata, perché è una questione di tecnica. Le tecniche cambiano, e si può parlare di pittura scrivendo una sorta di storia delle tecniche pittoriche. Quel che però fa la pittura, l’elemento inalterabile, il soggetto della pittura, quello che la pittura è, non si può spiegare. Credo sia impossibile. Quel che posso forse dire è che, a modo mio, disperato, vado qua e là seguendo i miei istinti». Con uno scritto di Milan Kundera.

Milano, Mondadori Electa 2008, cm.14x22, pp.86, num.figg.a col.nt. brossura cop.con bandelle Coll.Pesci Rossi. Michelangelo considerava la Centauromachia opera paradigmatica di tutta la sua ricerca artistica: un lavoro mai finito ed esemplare di un furore artistico. Il volume ricostruisce a fondo l'ambiente culturale in cui Michelangelo ha iniziato il bassorilievo intorno al 1492, ne analizza le fonti artistiche e culturali e propone una lettura formale innovativa: la Centauromachia come battaglia nella quale i personaggi perdono connotati letterari e storici per farsi protagonisti di un'immagine atemporale, la lotta tra forze opposte e l'energia infernale che ne scaturisce.

Milano Mondadori Electa 2013, cm.15x23, pp.158, brossura L'opera raffigura un ragazzo intento a sbucciare un agrume. La fortuna del dipinto - se ne conosce circa una dozzina di copie - e gli esiti di approfondite indagini archivistiche e iconografiche hanno portato l'autrice a rintracciare nel soggetto del quadro un significato particolare oltre la sua valenza "naturalistica" e l'ormai annosa querelle sulla sua attribuzione. Il primo esemplare è documentato nella collezione del raffinato intellettuale perugino, Cesare Crispolti, e la committenza del dipinto pare possa essere rintracciata nell'ambito dell'Accademia degli Insensati un circolo umanistico in seno al quale erano elaborate composizioni poetiche strettamente connesse con le prime opere romane di Caravaggio, dai complessi soggetti profani, carichi di un sofisticato messaggio allegorico. Il "Monda frutto" sarebbe dunque un manifesto dell'educazione virtuosa del giovane, in linea con le nuove esigenze didattiche della pedagogia della Controriforma.

Milano Mondadori Electa 2011 cm.16,5x24, pp.363, brossura Critico militante, curatore di grandi mostre internazionali e rassegne di arte contemporanea, Achille Bonito Oliva è noto al grande pubblico anche per le sue innumerevoli presenze televisive, in contesti diversi, tra talk show e trasmissioni a carattere culturale che ne hanno consacrato il ruolo di protagonista indiscusso del nostro tempo. Questa raccolta di saggi, che attraversa discipline e settori diversi del sapere, dalla critica d'arte, al teatro, alla filosofia, all'epistemologia, all'architettura e la scienza, si propone come un'occasione per leggere il presente attraverso il pensiero dei massimi esponenti della scena culturale contemporanea.

Torino Einaudi 2011, cm.14x21 pp. XX,466. brossura cop.fig.a colori. Coll.PBE, 524. La vocazione alla forma è una necessità vitale alla natura quanto all'arte. Tutto ciò che vive possiede una forma e tutto ciò che si comunica deve possedere una forma. E anche il processo della visione presenta una sua vocazione formale: vedere è organizzare in una forma unitaria insiemi di stimoli eterogenei. Con questo saggio Giuseppe Di Napoli rintraccia una teoria unificante dei processi formativi. Nella natura, nella percezione e nell'attività pittorica la forma assicura la distinzione e la singolarità degli elementi primari e allo stesso tempo condensa sempre in ciascun ambito il senso originario di totalità e universalità inscritti in ogni forma di vita, cognizione visiva o produzione artistica. La sua ipotesi è che sussistano segrete relazioni tra le forze psichiche che presiedono alla genesi della forma artistica, le forze fisiche che agiscono sulla struttura della materia per modellarne la forma e le energie che originano i processi di morfogenesi nelle forme viventi. Queste relazioni emergono quando si individuano i principi formativi comuni ai tre ambiti, qui esemplificati dal percorso formativo delle poetiche di alcuni grandi artisti, da Leonardo a Klee, passando per Goethe.

Traduz.di Martin Ryle, Kate Soper. Introduz.di Peter Burke. London, New York, Verso 2000, cm.16x22, pp.158, 123 tavv.bn.e a col.ft. legatura ed. sopracop.fig.a col. New edition with appendices. English text. Sifting the available evidence, Carlo Ginzburg builds up a vivid portrait of Piero della Francesca’s patrons and convincingly explains the contemporary intrigues resonant in his painting. This new edition, extensively illustrated, includes additional material by Ginzburg dealing with the work of Roberto Longhi, the dating of the Arezzo Cycle, and the rediscovery of della Francesca in the twentieth century.

A cura dei Monaci Cistercensi della Certosa di Pavia. Pavia, Ediz. Torchio de' Ricci 1991, cm.22,5x23, pp.166, num.tavv.a col.nt. brossura cop.fig.

Postfazione di Sergio Givone, collaborazione di Federico Vercellone, traduzione di Gianluca Garelli. Milano, Abscondita Ed. 2023, cm.13x22, pp.156, brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Coll.Aesthetica,61. Peter Szondi (1929-1971) critico letterario tra i più importanti del secondo Novecento, fu autore di fondamentali studi d’avanguardia nel campo della teoria teatrale e dell’ermeneutica letteraria (Friedrich Hölderlin, Rainer Maria Rilke, Paul Celan). Ebreo, sopravvissuto ai campi di sterminio, si diede la morte a quarantadue anni, a Berlino, nel 1971. «L’argomento centrale è qui la filosofia del tragico, che si distingue nettamente dalla poetica del tragico della tradizione aristotelica» scrive il curatore Federico Vercellone. «Nella prima parte, d’impianto nettamente teorico, l’autore esamina le posizioni di pensatori come Schelling, Hölderlin, Hegel, Goethe, Schopenhauer, Nietzsche e altri, soffermandosi in particolare sulla categoria del “tragico” nell’opera di quegli autori. Nella seconda parte, Szondi passa a esaminare alcune tragedie da lui considerate emblematiche, dall’Edipo re a La vita è sogno, dall’Otello alla Fedra, analizzandole con gli strumenti interpretativi messi a punto ed esposti in precedenza». Con una postfazione di Sergio Givone e uno scritto di Federico Vercellone.

Milano, Abscondita Ed. 2023, cm.13x22, pp.200, 98 tavv.bn.ft. brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Coll.Carte d'Artisti,152. «Non può sorprendere che, per una vicenda tormentosa e sciagurata come quella del Caravaggio, gli storiografi del Seicento più romanzevole e del più romantico Ottocento si industriassero a trasformarne ogni passo, fin dai princìpi, ad uso di un ritratto spiccatamente popolare (ciò che per essi suonava “plebeo”) e cioè adatto a spiegare la spregiudicata e, si diceva, “indecorosa” naturalezza dell’artista. Fu così che il Caravaggio, già da ragazzo, in Lombardia, si tramutò in figlio di muratore, in rimestatore di calcine e preparatore di colle per gli imbianchini milanesi. Il resto della sua vita, soprattutto negli anni di Roma, Napoli e Malta, non aveva certo bisogno di esser rinforzato nelle tinte, ma pure non si mancò di farlo e persin la sua morte, per ragioni di corrispondenza simbolica, si amò fissare un anno prima del vero».

A cura di Carmen Flaim. Milano, Abscondita Ed. 2023, cm.13x22, pp.185, numerose tavole bn. fuori testo, brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Coll.Carte d'Artisti,105. La saggistica sul colore conosce nei primi decenni dell'Ottocento punte di interesse e di diffusione mai più raggiunte in seguito. Riferimenti alle valenze simboliche del colore, ai suoi significati ideologici e persino etici si ritrovano in Novalis, Wackenroder, Tieck, Brentano e Goethe; in filosofi o scienziati come Schelling, Schopenhauer, Steffens, Hegel; in musicisti come Berger e Beethoven; nella cerchia di pittori concettuali come i nazareni di Overbeck e Pforr. Se la Farbenlehre di Goethe è forse il testo più noto di questa stagione, "La sfera dei colori" (Farbenkugel, 1810) e gli scritti sull'«arte nuova» del pittore romantico Philipp Otto Runge (1777-1810) rappresenteranno ancor più di quelli di Goethe, come scriverà Paul Klee, «un insegnamento imprescindibile per tutta la pittura a venire», incidendo profondamente sulla elaborazione teorica delle avanguardie artistiche degli inizi del Novecento. Le sue pagine, sempre percorse da una fortissima tensione intellettuale e morale, restituiscono i trasporti, le passioni, le utopie del romanticismo tedesco e rivelano la natura essenzialmente letteraria di Runge, testimoniata, oltre che da tutta l'opera pittorica, anche dalle due splendide fiabe (Il ginepro e Il pescatore e sua moglie) da lui composte nel dialetto della Pomerania, che nel 1811 i fratelli Grimm proporranno, nell'appello all'invio di Märchen per la loro raccolta, come archetipo strutturale e linguistico cui attenersi con la massima aderenza.

A cura di Paule Thévenin. Traduzione di Stafano Esengrini. Milano, Abscondita Ed. 2023, cm.13x22, pp.133, con illustrazioni bn. nel testo, brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Coll.Carte d'Artisti,58. Questo probabilmente è il testo più fervido, più fraterno che sia mai stato scritto da un creatore su un altro creatore. L’ammirazione che Pierre Boulez ha nutrito assai presto, sin dal 1947, per Paul Klee non è stata effimera. La frequentazione dell’opera e degli scritti del pittore non ha fatto che rafforzarla. Le qualità che Pierre Boulez apprezza profondamente in Klee – il potere di deduzione e l’immaginazione – sono anche sue, e l’incontro fra queste due personalità è già di per sé straordinario. Ma l’interesse di questo testo è accresciuto dal fatto che sia stato un musicista a scriverlo, un musicista che si è sempre occupato della ricerca analitica, e l’abbia scritto su un pittore che conosceva profondamente la musica e avrebbe potuto aspirare a una carriera di strumentista. Paul Klee non ignorava nulla delle forme musicali classiche. Dalle regole che le governano egli poté far scaturire un particolare modo di concepire dei problemi squisitamente pittorici. A sua volta Pierre Boulez, partendo dall’opera e dalle lezioni di Paul Klee al Bauhaus, sviluppa una riflessione sulla distribuzione e sul ritmo dello spazio musicale. Non si tratta affatto di traduzione in un senso o nell’altro, ma piuttosto di scambio, di corrispondenza o di osmosi.

Traduzione di Paolo Gobetti. Con uno scritto di Guido Aristarco. Milano, Abscondita 2023, cm.12,5x22, pp.208, numerose figure bn. fuori testo, brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Coll.Aesthetica,2. Aby Warburg, indagando l'arte dalla prospettiva delle "sopravvivenze dell'antichità", riservò Accanto ai testi di Belá Balázs, Pudovkin ed Ejzenštejn, "Film come arte" di Rudolf Arnheim è un classico nella storia delle teorie sul cinema. L'autore parte da una delle più diffuse obiezioni, con cui si contestava al cinema ogni possibilità artistica: è una mera riproduzione meccanica della realtà, si diceva, per sua natura negata a ogni raggiungimento creativo. La serrata analisi di Arnheim mostra esattamente il contrario: il cinema non ha nulla di naturalistico, l'immagine filmica differisce da quella reale. Sono proprio questi «fattori differenzianti» a costituire i «mezzi formativi» del cinema, i suoi mezzi artistici: ad esempio, quei «salti di tempo e di spazio» che il film ha in comune con tutta l'arte moderna. "Film come arte" unisce al grande saggio che gli dà il titolo una serie di scritti sul cinema che vanno dal 1932 al 1938. Con uno scritto di Guido Aristarco.

Traduzione di Guido Alberti. Milano, Abscondita Ed. 2023, cm.11x19,5, pp.75, numerose tavole bn. nel testo, brossura copertina figurata a colori con bandelle. Coll.Miniature,52 . Gran parte dei maggiori artisti, dei più illustri personaggi dei primi decenni del Novecento gravita su Parigi: tutti vogliono esser fotografati da Man Ray, ed è così che nasce quella straordinaria, stupefacente galleria di ritratti, che lo stesso artista poi raccoglie nel libro che qui presentiamo, Portraits, pubblicato nel 1951. Nella breve introduzione Man Ray scrive: «Realizzando i ritratti delle personalità qui raccolte, il fotografo si è interessato esclusivamente al volto dei suoi modelli, senza tener conto della loro situazione e della loro celebrità, né della maggiore o minore simpatia che potevano personalmente ispirargli. L’autore è inoltre ricorso a un giochetto un tempo in voga tra i surrealisti: ha dato un voto, da 1 a 20, a ciascun ritratto, in base al grado di sintonia con la personalità rappresentata e al suo giudizio sulla qualità della resa fotografica. È un giudizio del tutto personale, come il breve commento che accompagna ogni ritratto e che a suo avviso caratterizza il modello. Esso non deve in nessun caso esser considerato come definitivo».

Traduzione di Alessandra Salvini, con uno scritto di Herbert Read. Milano, Abscondita Ed. 2023, cm.11x19,5, pp.71, numerose tavv.bn.nt. brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Collana Miniature,10. La lunga e fortunata carriera di Henry Moore (1898-1986) esemplifica nella sua evoluzione alcune delle istanze che hanno caratterizzato il dibattito artistico del Novecento e, in particolare, la nascita e l’affermazione della scultura moderna. L’originale ricerca di Moore prende avvio dalla scoperta dell’arte primitiva, per approdare – attraverso le sperimentazioni astratte e surrealiste degli anni Trenta, la suggestione dell’arte rinascimentale italiana, l’impegno civile come war artist durante la Seconda guerra mondiale – a una posizione artistica caratterizzata da un profondo umanesimo che si esprime soprattutto nella realizzazione di grandi sculture monumentali a destinazione pubblica. Vengono qui raccolti alcuni suoi importanti contributi al dibattito artistico sviluppatosi in Inghilterra tra gli anni trenta e i primi anni quaranta, che delineano gli aspetti fondamentali della nascita del modernismo in scultura: l’influenza del primitivismo, la polemica tra astrazione e surrealismo e la necessità, profondamente avvertita da Moore, di giungere a un equilibrio tra la forma astratta e quello che egli chiamava «il contenuto psicologico umano». Con uno scritto di Herbert Read.

Traduz., introduz.e note di Sidney Alexander. Athens, Ohio Uniersity Press 1991, cm.14X23, pp.297, brossura cop.fig. Testo in inglese.

Venezia, Ist.Veneto di Scienze, Lettere ed Arti 2007, cm.17x24, pp.496, brossura con bandelle,cop.fig.a col. Coll.Memorie ,Classe di Scienze Morali,119. [volume nuovo] Il volume analizza alcuni esempi di ritratti con libro prodotti in Italia tra il 1500 e il 1550. Libri preziosi, nell'elegante legatura, codici miniati, testi in ottavo, grandi in folio, sono i compagni silenziosi ma eloquenti dei loro lettori, ai quali offrono cibo per l'anima. Possono divenire strumenti di studio e meditazione, o essere solo oggetti alla moda da esibire con orgoglio. In alcuni casi la lettura è condivisa, in altri è una pratica che si svolge in solitudine, in un momento di otium. Partecipando alla vita intellettuale di chi li possiede, i libri presenti nei ritratti coinvolgono lo spettatore del XVI secolo, così come l´attuale, in un continuo gioco di relazioni e rimandi.

Pergola 9/12 Maggio 2002. A cura di Giovan Battista Fidanza. Perugia, Quattroemme Ed. 2005, cm.24x30, pp.398, num.figg.bn.e col.nt. brossura copertina figurata a colori.