Arte Scultura

Milano, Electa per Monte dei Paschi di Siena 1980, cm.33x33, pp.250, 318 ill.e tavv.bn.e col.nt. legatura ed.soprac.fig.a col.

Barberino Val d'Elsa, 21 aprile-26 agosto 2018. A cura di Federica Chezzi. Firenze, Edifir 2018, cm.20x25, pp.149, ill.a colori. brossura copertina figurata.

22 Marzo- 26 Maggio 2013. Testi di Kosme, De Baranano, Giuliano Gori, Rosanna Moradei. Milano, Silvana Editoriale 2013, cm.23x29, pp.circa 140 ill.a colori. brossura sopracoperta figurata a colori.

Firenze, Sala Esposizioni dell'Accademia delle Arti del Disegno, 1-27 dicembre 2005. A cura di Rosanna Morozzi. Firenze, Edizioni Polistampa 2005, cm.24x23, pp.161, 73 tavv.in bn.nt., brossura. Coll. Accademia delle Arti del Disegno,33.

Signa (FI), Edizioni Masso delle Fate 2005, cm.21x24, pp.119,56 tavv. in bn.nt., brossura copertina figurata a colori. Lo scritto viene proposto per recuperare la memoria dell'artista Mario Moschi e proporre agli studiosi, interessati a ricostruirne ulteriormente la vicenda, dati utili e altrimenti non reperibili.

Foto di Paolo Giusti, collborazione di Piero Pucci. Campi Bisenzio, Italigrafiche 2000, cm.24x32, pp.64, con foto a colori. Brossura con bandelle e copertina figurata a colori.

Carrara, Studi Galleria Bessi 1972, cm.22x30,5, pp.195, centinaia di ill.e tavv.bn.e a col.nt. legatura editoriale cartonata sopracoperta figurata a colori.

Firenze, Certosa. Ediz. italiana e inglese, a cura di Max Seidel. Gli Ori 2006, cm.21x28, pp.136. ill.a colori. legatura editoriale cartonata, copertacoperta figurata a colori.

Maschietto Editore 2000, cm.24x30,5, pp.176 mill.a colori. brossura copertina figurata.

Giorgio Rossi e le sue muse. A cura di Rossella Campana ed Alfonso Panzetta. Firenze, 8-31 Dicembre 2013, Palazzo Medici Riccardi. Firenze, Aska 2013, cm.21x29x pp.88, con illustrazioni a colori. Brossura con bandelle e copertina fiugrata a colori. Coll. Esposizioni. Artista eclettico e versatile, Giorgio Rossi (1892-1963), nato a San Piero a Sieve (FI) e vissuto per tutta la vita in Toscana, ha manifestato, sin dalla più tenera età, una profonda conoscenza di varie tecniche artistiche: il disegno, la pittura, la scultura, arrivando a livelli di grande eleganza e raffinatezza, uniti ad un impegno serio e costante, indifferente alle mode, più fedele ai grandi modelli della scultura quattrocentesca, che al clima di tanta arte novecentesca.

Firenze, Museo Marino Marini, 2006. Testi di Antonio Natali. Presentazione di Carlo Sisi. Firenze, 2006, cm.24x28, pp. 86, [2]. Con numerose ill. a colori. brossura copertina figurata a colori.

Con opere di Andrea De Ranieri. Pisa, Ediz. ETS 2019, cm.15x20, pp.62, alcune ill.a col.nt. brossura cop.fig. Molte persone ritengono la scultura greca e romana distante dal proprio modo di sentire e di pensare; altre la venerano idealizzando capolavori irripetibili in una bolla fuori dallo spazio e dal tempo, astraendoli dal contesto culturale che li ha generati, spogliandoli del loro significato per celebrare la bellezza fine a se stessa. Spesso, questo tipo di interpretazione non dipende dalle propensioni e dai gusti personali, ma semplicemente dal modo in cui l’arte antica viene presentata, o addirittura non presentata, a partire dalla scuola, dove generalmente si ha il primo approccio con questa materia; di conseguenza nell’età adulta si consolida l’idea che a definire una statua siano un insieme di dati, date, nomi, termini tecnici difficilmente comprensibili e contestualizzabili per i non specialisti. Attraverso ulteriori chiavi di lettura invece è possibile riscoprire l’arte antica, restituirle consistenza storica e percepirne la “contemporaneità”, capace com’è di suscitare emozioni e sentimenti, ma anche di far riflettere su temi e valori senza tempo. La mostra è nata con questo spirito, come progetto di valorizzazione e divulgazione dell’arte antica attraverso nuovi linguaggi e prospettive: da un lato, la visione dell’artista contemporaneo che si esprime attraverso la reinterpretazione grafica e pittorica, dall’altro una guida alla lettura basata su contenuti scientifici rigorosi, ma semplificati, e la presentazione di spunti e approfondimenti per una riflessione critica autonoma. Il catalogo, pensato per guidare all’interpretazione della scultura greca e romana attraverso la sua contestualizzazione nel mondo antico e contemporaneo, include le opere grafiche e pittoriche di Andrea De Ranieri, le foto delle statue che le hanno ispirate (preferibilmente nel loro attuale contesto museale) e un breve testo per ciascuna di esse. I testi sono redatti sotto forma di scheda per facilitare la rielaborazione concettuale dei contenuti seguendo interessi specifici (secondo la corrente artistica, secondo il tema, etc.). La volontà di presentare i contenuti in forma scorrevole e accessibile anche ai non specialisti ha comportato inevitabilmente la semplificazione delle informazioni sulla base di una decisa selezione della quantità e della tipologia, segnalando comunque in una bibliografia essenziale le pubblicazioni utili a approfondimenti e analisi critiche derivanti da punti di vista diversi.

Firenze, Edifir 2018, cm.24x28, pp.240 ill. brossura copertina figurata. Frutto di lunghe ricerche condotte essenzialmente sui documenti d'archivio, il volume ripercorre, dopo uno studio dedicato alle esposizioni d'arte allestite nel capoluogo toscano tra l'età napoleonica e l'avvento dell'unità d'Italia, la storia e le vicende connesse alla costituzione della collezione dei bassorilievi ottocenteschi in gesso, vanto indiscusso delle raccolte dell'Accademia di Belle Arti di Firenze, oggi in gran parte perduti o dispersi. In base a un inventario redatto nel 1870 apprendiamo che all'interno degli ambienti dell'Accademia erano conservati ben novanta bassorilievi in gesso di formato diverso, connessi ai premi annuali, triennali e semestrali e ai pensionati di studio a Roma. Dei novanta esemplari originari ne sopravvivono oggi all'interno dell'Accademia solo diciotto e a questi è dedicata la presente pubblicazione. Dopo essere caduti per oltre un secolo nell'anonimato ed aver perso la loro importanza documentaria e storica, i bassorilievi superstiti, conservati fino a pochi anni fa nelle cantine della scuola in condizioni tutt'altro che ottimali, sono stati al centro, negli ultimi tempi, di un processo di recupero e di valorizzazione che ha portato gradualmente al loro "riscatto". Le indagini storico-documentarie dedicate a questi hanno consentito, in tempi diversi, di restituire a ogni bassorilievo la loro corretta "identità anagrafica", precisando al contempo la data delle singole esecuzioni. Affiancati a nomi di primo o primissimo piano nel panorama scultoreo ottocentesco come Giovanni Dupré, Aristodemo Costoli, Luigi Pampaloni e Ulisse Cambi, molti degli autori dei bassorilievi, pensiamo ad esempio ad Ansano Bucci e Girolamo Marconi, risultano al momento ancora degli "illustri sconosciuti". La pubblicazione consente pertanto di focalizzare l'attenzione anche su queste personalità artistiche, che, seppur in maniera marginale, hanno fatto parte integrante della storia dell'Accademia di Firenze e quindi della "nostra" storia.

Verona, Mondadori Ed. 1953, cm.11,5x18, pp.186, 141 figg.bn.e 4 a col.nt. legatura editoriale cartonata sopracop. Coll.Biblioteca Moderna,352.

Bologna,Galleria Giordani. A cura di A.Panzetta. Bologna, Galleria Giordani 1996, cm.21x27, pp.133, 56 tavv.col.nt. legatura editoriale in tutta tela, sopracoperta figurata a colori.

Catalogo della mostra tenutasi in Firenze, presso il Museo Nazionale del Bargello tra il 19 dicembre e il 30 maggio 1986. Con numerose tavole in bianco e nero e schede relative alle seguenti sculture: David di marmo, San Giorgio, Marzocco, Puttino, David di bronzo, Atys, Niccoleograve; da Uzzano, Madonna Torrigiani, Madonna della Gherardesca, Madonna Goretti Miniati, Pugilatore, Testa barbuta, Quattro basi, San Giovanni Martelli, San Giovannino, Crocifissione, Busto di giovane, Ritratto d Ignota, San Giovanni Battista A cura di Paola Barocchi, Marco Collareta, Giovanna Gaeta Berteleagrave;, Giancarlo Gentilini, Beatrice Paolozzi Strozzi. S.P.E.S Studio per Edizioni Scelte 1985, cm.21x30,5, pp.XXIV-520, brossura copertina figurata Coll.Omaggi,1.

Prefazione di Enrico Castelnuovo. Traduzione di Sergio Bettini e Giuseppe Guglielmi. Torino, Einaudi Ed. 1972, cm.17x27, pp.XXVI,304, 189 figg.bn.in tavv.ft. legatura editoriale in tutta tela, sopraccop.figurata. Coll.Biblioteca di Storia dell'Arte,13.

Presentazione di Alessandro Parronchi. Foto di Paolo Tosi e Giorgio Misirlis Prato, Martini Ed. 1996, cm.24,5x28, pp.133, con 133 ill.e tavv.bn.nt.ed una carta gene brossura copertina figurata. Delineando con fermezza i tratti stilistici essenziali delle opere eseguite in Napoli dai fiorentini Pacio e Giovanni Bertini, Giulietta Chelazzi Dini chiude il capitolo della scultura trecentesca nel Reame lasciata finora, ad opera dei vari studiosi, in contorni non del tutto definiti. Nonostante gli studi fondamentali che vanno dal Bertaux per finire all’Aceto, non si era ancora giunti ad abbracciare nella sua ampiezza e a definire nei particolari il quadro operativo del cantiere napoletano della scultura che ruota intorno alla geniale operosità di Tino di Camaino. L’ultima fase dell’attività del maestro segna, quasi stella polare, la direzione gotica verso la quale il secolo si indirizza e che preavverte senza raggiungerla. Rimaneva ancora da ripercorrere il cammino, opera per opera, dei collaboratori del senese, e cioè prevalentemente i fiorentini Pacio e Giovanni, più e meno dotati e più e meno vicini allo spirito del maestro nel dar vita al popolo di sculture che animano le imprese sepolcrali del tempo degli Angioini, a cominciare dal Sepolcro di Re Roberto nell’abside di Santa Chiara a Napoli. .E’ così che il lettore di questo saggio è condotto a ripercorrere la produzione scultorea del trecento napoletano, comprendente quella sopravvissuta alle distruzioni dell’ultima guerra e quella diramatasi nei musei d’Europa e d’America, ma anche un tratto finalmente precisato di quella che è la strada maestra percorsa in un preciso tempo dalla storia della scultura italiana.

Ediz. italiana e inglese. Milano, Silvana Editoriale 2023, cm.25x29,5, pp.141, num.ill.e tavv.a col.nt. legatura editoriale cartonata, cop.fig.a colori. In Val di Sella, nel comune di Borgo Valsugana, in provincia di Trento, è nata nel 1986 Arte Sella, un’iniziativa volta a promuovere l’arte contemporanea nel contesto naturale. Lungo i sentieri, tra i boschi si incontrano opere d’arte che condividono il tempo della natura e i suoi processi trasformativi. Molte opere nel tempo sono ritornate alle origini e ne rimane solo la documentazione fotografica. Tuttavia il lavoro di ciascuno degli artisti che ha partecipato al progetto ha contribuito a rafforzarlo e a rendere reale la possibilità di agire delicatamente sulla natura e sempre a suo favore. Negli anni Arte Sella si è dimostrata occasione di importanti interventi artistici e grazie alla sua presenza la valle ha assunto una connotazione particolare: accanto alle bellezze del luogo, l’incontro con le opere offre ai visitatori sensazioni ed emozioni ineguagliabili. Più di 300 artisti, architetti e designer, provenienti da diverse nazioni, hanno collaborato: Nils-Udo, Giuliano Mauri, Patrick T. Dougherty, Chris Drury, Alan Sonfist, Luc Schuiten, Michelangelo Pistoletto, Arne Quinze, Edoardo Tresoldi, Henrique Oliveira, Krištof Kintera, Arcangelo Sassolino, Stefano Boeri, Michele De Lucchi, Kengo Kuma, Eduardo Souto de Moura e molti altri ricordati in questo volume.

Pisa, Pacini Editore 2019, cm.17x24, pp.270, brossura copertina figurata. Si tratta di nove capitoli, scritti dall'autore, Naoki Dan, professore emerito di storia dell'arte ed estetica all'università di gunma, in Giappone. I capitoli riguardano alcuni scultori tra i più rappresentativi del panorama storico-artistico due-trecentesco italiano. Fra questi: Nicola e Giovanni Pisano, Tino di camaino e lupo di Francesco. Il testo che qui presentiamo è una formulazione di saggi pubblicati, in Giappone, in diversi tempi, a partire dal 1995 fino al 2015. Gli studi di Naoki Dan prendono l'avvio dai temi proposti dai più grandi storici dell'arte per poi distendersi in modo personale e particolarissimo, proponendo nuove chiavi di lettura e nuove prospettive e ricostruzioni basate spesso su reperti da lui stesso scoperti in musei, collezioni private e depositi d'arte. Si può ben dire che questo saggio sia un'opera considerevole e coraggiosa che consentire agli studiosi e agli storici dell'arte italiani di avere a disposizione uno strumento preziosissimo di conoscenza che costituirà, senz'altro, una tappa fondamentale per ogni successiva ricerca.

Firenze, Edifir 2013, cm.25x35, pp.130 ill.bn. legatura editoriale cartonata, sopracoperta figurata. Francesco Pesce nasce ad Accettura (Matera) nel 1908. Dopo la morte prematura di entrambi i genitori si trasferisce a Napoli a studiare all'Istituto d'Arte. Le sue capacità lo portano ad essere notato dagli insegnanti che gli consigliano studi regolari e che lo portano nel 1931 a trasferirsi a Firenze dove si iscrive all'Accademia dei Belle Arti e si diploma nel 1934 in scultura con Italo Griselli e Giuseppe Graziosi. Nel 1939 parte per la guerra e si trova ben presto prigioniero degli inglesi. Rientrato a Firenze passa da grosse responsabilità militari che lo conducono alla qualifica di colonnello alla partecipazioni ad esposizioni durante le quali riesce a mostrare il suo impegno nella produzione artistica. L'attività di Francesco Pesce è ancora tutta da riscoprire e riordinare attraverso testimonianze e documenti d'archivio. Molti dei suoi capolavori sono infatti conosciuti solo da collezionisti privati o appassionati che hanno condiviso con lui anni di vita o che appartengono alla cerchia delle amicizie dei suoi familiari che conservano il nucleo fondamentale della sua produzione. Sono noti eventi importanti della sua vita attraverso le riviste e i quotidiani nazionali del Novecento che confermano la serietà e fedeltà mantenuta per tutta la vita sia alla professione di militare in carriera sia alla passione per l'arte come dimostrano le numerose esposizioni che lo hanno visto protagonista.

Fiesole, 15 giugno-15 ottobre 2017. Firenze, Edifir 2017, cm.22,5x22, pp.102, brossura copertina figurata. A cura del Cenro Studi Cavallini. Ediz. italiana e inglese. “L'arte, la ragnatela che toglie il dominio delle viscere per farti risvegliare martire consolato. Concepibile solo per una tendenza spontanea. Uno stato di perseverante frenesia ma potrebbe diventare la forma più educativa del proprio carattere. Ho guardato gli alberi ho letto nel silenzio del cielo il mio passato e al mare che rende le sponde sorelle, ho sorriso. Allora mi sono alzato e ho scolpito l'amore.” (Sauro Cavallini)

A cura di Marta Convalle. Text in english and italian. Fondazione Poma Liberatutti 2022, cm.22,5x28,5, pp.250, ill.bn.e a colori. brossura copertina figurata. Coll.Pomarte,1.

Milano, Galleria d'Arte Moderna, maggio 1969. Testo di Guido Perocco. Milano, Scuola Grafiche O.D.C. 1969, cm.22x22, pp.3, 29 tavv.bn.nt. brossura cop.fig.a col. Testo in italiano e inglese.