Arte Saggi

Prefaz.di Luigi Russo, Emilio Garroni, Paolo D'Angelo. Roma, Editori Riuniti 1992,1991,1992, 3 volumi. cm.15x21,5, pp.LVIII,252,XXIX,349,XXXVII,374, num.ill.e tavv. in bianco e nero nel testo legature editoriali. Collana I Grandi.

A cura di G. Carla Romby, Francesco Noferini . Borgo San Lorenzo, Edizioni Noferini 2016, cm.15,5x23, pp.146, brossura copertina figurata a colori.

Mantova, Edizioni Maurizio Corraini Arte Contemporanea 2015, cm.15x21,5, pp.112, illustrazioni. brossura copertina figurata. Testo Italiano e Inglese. La ricostruzione del Teatro Continuo di Alberto Burri nella sua collocazione originale, a ventisei anni di distanza dallo smantellamento, costituisce l'occasione ideale per ripercorrerne la vicenda, ponendo l'opera nella giusta prospettiva critica e storica. Il libro di Gabi Scardi, corredato da progetti, bozzetti e fotografie d'epoca, documenta anche, attraverso il reportage fotografico di Paola Di Bello, il processo di ricollocazione e di restituzione alla città di quest'opera emblematica. Realizzato nel Parco Sempione di Milano nel 1973 in occasione della XV Triennale, il Teatro Continuo è una delle maggiori opere pubbliche di Alberto Burri.

A cura di Giuseppina Carla. Romby. Firenze, Edifir 2013, cm.17x24, pp.199, illustrazioni in bianco e nero e a colori, tavole. brossura copertina figurata a colori. Il volume, attraverso un apparato documentario inedito, prende in considerazione esperienze architettoniche e artistiche emblematiche per l'impegno e la "modernità" degli esiti, realizzate in diverse città toscane nel corso del XVI secolo. Infatti con l'affermarsi del ducato di Cosimo I dei Medici, il rinnovamento cittadino conosce una svolta significativa sia per quantità che per qualità; e mentre prendono il via importanti cantieri pubblici (come quello degli Uffizi) destinati a modificare sostanzialmente diversi settori urbani, si assiste ad un rinnovato impegno dei cittadini nel riordinamento ed aggiornamento delle residenze di antica o più recente acquisizione attraverso l'adozione di modelli architettonici e linguistici riconoscibili ed in grado di fornire un'immagine unitaria della "città del principe". Destinati proprio alla costruzione di tale immagine sono i provvedimenti legislativi emanati nel 1551 con l'inedito obiettivo di abbinare al controllo degli interventi un esito formale di qualità, di cui si forniscono significativi risultati raggiunti.

A cura di Francesco Bandini. Firenze, Alinea 1983, cm.22x22,5, pp.110, illustrazioni bn, brossura copertina figurata.

A cura di Elena Pontiggia. Milano, Abscondita 2011, cm.14x21, pp.174, brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Collana Carte d'artisti,131. La prima lettera di Cézanne che conosciamo si apre con un'immagine della pioggia e della primavera. L'ultima (se si esclude la nota di sollecitazione a un venditore di colori) inizia accennando alla pioggia e all'autunno. Tra le espressioni scherzose della prima, percorse da un'allegra, ironica compiacenza retorica, e quelle dell'ultima, secche e disadorne, dirette a una comunicazione senza convenevoli, c'è uno spazio di quasi cinquant'anni. Cézanne non cercava biografie (credevo che si potesse fare della buona pittura senza attirare l'attenzione sulla propria vita privata... L'uomo deve rimanere nell'ombra" scrive nel 1896 a Gasquet) e probabilmente pensava per le proprie lettere a un unico, privato destinatario, circostanza questa a cui dobbiamo, negli anni della maturità, la loro straordinaria asciuttezza, la loro assoluta mancanza di letteratura. Eppure queste carte si possono leggere come un diario psicologico dell'artista, tanto più rivelatore quanto più involontario e inconsapevole: una testimonianza di quel passaggio dall'eccedenza alla contrazione che si riconosce nella sua pittura e si intuisce nella sua vita. Per questo, in molti punti, diventano quasi una didascalia indiretta dei dipinti." (Elena Pontiggia).

A cura di Gioia Mori. Milano, Abscondita Ed. 2006, cm.10,5x19,5, pp.68, num.ill.bn.ft. brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Collana Miniature,47. Aveva settantaquattro anni Tamara de Lempicka quando, da vera e indomita combattente, iniziò la sua definitiva e vincente riscossa. Avvenne nel 1972 e il teatro di battaglia fu una galleria alle Halles di Parigi. I galleristi Biondel e Plantin seppero impostare il ritorno di Tamara sulle scene con grande competenza. Le quarantotto opere esposte erano solo quelle storiche, scelte nell'atelier della Lempicka che controvoglia aveva accettato di riproporle, considerandole fuori moda. Biondel e Plantin seppero ben gestire il fenomeno" che avevano a portata di mano: un'artista che a Parigi aveva conosciuto il successo di critica e di pubblico, aveva ritratto l'aristocrazia, il bel mondo, gli intellettuali, ma anche e soprattutto le lolite, le donne dell'alta società che guidavano Bugatti e sciavano a Saint-Moritz, i loro trasgressivi amori saffici. Aveva occupato le pagine delle riviste con le sue foto da diva di Hollywood. Poi era scomparsa. E il 1972 fu l'anno della "scoperta" di Tamara de Lempicka, che in una foto di Laurent S. Jauhnes, scattata al vernissage, appare ancora padrona di uno stile perfetto: magra e altera, un taglio di capelli allora in voga, il naso aquilino portato come un seguo di nobile distinzione. Un carisma naturale, a qualsiasi età." (Dallo scritto di Gioia Mori).

Traduzione di Elena Carpi Schirone. Milano, Abscondita 2010, cm.14x21, pp.143, brossura copertina figurata a colori. Collana Carte d'Artisti,4. Apparenza nuda è formato da due saggi che Octavio Paz ha dedicato a Marcel Duchamp. Il primo è un'introduzione generale all'opera dell'artista francese: esso contiene una descrizione completa e un'interpretazione del Grande Vetro, lasciato "definitivamente incompiuto" nel 1923. Uno dei pittori più celebri del nostro secolo abbandona l'arte per dedicarsi agli scacchi ed entra, così, nella leggenda. Dopo la sua morte, si scoprirà con stupore che aveva lavorato in segreto per vent'anni... Per Paz, l'opera di Duchamp e il suo abbandono della pittura non derivano né dal patetismo né dall'orgoglio, ma da una folle saggezza: da quella "libertà d'indifferenza" che rimane dopo la conoscenza. Il secondo saggio è un'analisi dell'Assemblaggio di Filadelfia. Paz mostra come esso si ricolleghi al Grande Vetro e alle altre opere di Duchamp, perché un medesimo principio governa tutte le sue speculazioni plastiche: il principio della "cerniera" (le porte - e le idee - si aprono nelle sue opere senza peraltro cessare di essere chiuse, e viceversa). Questo saggio riesce dunque a mettere in luce le somiglianze profonde tra il percorso di Duchamp e il mito di Diana e Atteone: dal voyeurismo alla contemplazione mediante il sacrificio. Nell'ultima parte del saggio, Paz mostra come Duchamp sia l'erede del tema tradizionale e centrale del pensiero e dell'arte occidentali: l'amore e la conoscenza. La sua visione è il prolungamento inatteso della tradizione dell'amore cortese e dell'ermetismo neoplatonico.

A cura di Roberto Tassi. Traduzione di Maria Elena Ruggerini. Milano, SE Ediz. 1999, cm.13x22, pp.123, brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Collana Testi e Documenti del Novecento,78. «Le parole dei grandi artisti, passando attraverso la stessa oscura zona che ha prodotto le opere, portano attaccati frammenti di poesia, come ad attraversare un terreno rigoglioso e intricato restano sui vestiti semi spinosi. Questo libro, nel quale si raccoglie quasi tutto ciò che Graham Sutherland ha scritto e molto di ciò che ha detto, va ad aggiungersi ora a quella lista: per l'emozione che provoca, l'intelligenza che vi circola e i frammenti di poesia che trasporta». Il volume fornisce le chiavi per interpretare molte opere e interi complessi tematici, svela rapporti, traccia costellazioni e influenze, indica un metodo di lavoro.

A cura di Angela Zucconi. Milano, Edizioni SE 2018, cm.13x22,5, pp.123, brossura copertina figurata a colori. Collana Testi e Documenti, 222. «Come i greci insegnavano che conoscenza è reminiscenza, così la filosofia moderna insegnerà che tutta la vita è una ripresa. [...] Ripresa e reminiscenza rappresentano lo stesso movimento ma in direzione opposta, perché ciò che si ricorda, è stato, ossia si riprende retrocedendo, mentre la vera ripresa è un ricordare procedendo. Perciò la ripresa, ammesso che sia possibile, rende l'uomo felice, mentre la reminiscenza lo rende infelice, a condizione però che l'uomo si dia tempo di vivere e non cominci appena nato a trovare un pretesto per riandarsene, magari con la scusa di aver dimenticato qualcosa. Il solo amore felice è l'amore-ricordo, ha detto un certo scrittore. Bisogna convenire che è giusto, purché non si dimentichi che esso al principio ha reso l'uomo infelice. L'amore-ripresa è in verità il solo amore felice perché non porta con sé, al pari dell'amore-ricordo, l'inquietudine della speranza, né la venturosa trepidazione della scoperta, né la commozione della rimembranza, ma soltanto la felice certezza del momento. La speranza è un vestito nuovo fiammante, che non fa pieghe né grinze, ma non puoi sapere se ti va, né come ti va, perché non l'hai mai indossato. Il ricordo è come un vestito smesso, per quanto bello non puoi indossarlo, perché non ti entra più. La ripresa è una veste che non si può consumare, che non stringe né insacca, ma dolcemente aderisce alla figura. La speranza è una bella fanciulla che ci guizza via dalle mani. La ricordanza è una bella vecchia che non ci offre mai quel che ci serve nel momento. La ripresa è una sposa amata di cui non accade mai di stancarsi, perché ci si stanca soltanto del nuovo, mai del vecchio, e la presenza delle cose a cui si è abituati rende felici. Ma riesce a essere interamente felice soltanto chi non si inganna col pensiero che la ripresa debba dargli qualcosa di nuovo; chi si inganna con questo pensiero ben presto si stanca della ripresa».

A cura di Sebastiano Grasso. Milano, Abscondita Ed. 2010, cm.10,5x19,5, pp.100, alcune figg.bn.nt. brossura copertina figurata a colori con bandelle,. Collana Miniature, 4. "Quando, il 12 gennaio del 1963, la morte fermò, a Buenos Aires, la mano di Ramon Gómez de la Serna, lo scrittore stava lavorando a un libro su Salvador Dalí" scrive Sebastiano Grasso nella presentazione a questo funambolico ritratto di uno dei più grandi e scandalosi artisti del Novecento. "I due spagnoli erano d'accordo. Una volta pronto, il testo sarebbe stato illustrato dal pittore". Dalí mantenne l'impegno, realizzando i disegni che presentiamo nella nostra edizione. Ma chi è realmente Salvador Dalí per Ramon Gómez de la Serna? "È "il figlio di una nuova specie" che, spesso, diventa un imputato da difendere" risponde Sebastiano Grasso. "Ecco, allora, che l'avvocato Ramon scrive una lunga arringa. Convincente, umana, ricca di estro e di arguzia". E, per farlo, si pone sul suo stesso terreno, compete con l'artista, si riconosce in lui non senza compiacimento, gareggia con lui in stravaganze o, come dice, in "manifestazioni serafiche". Dalí seppe fare della sua intera vita un capolavoro surrealista? Ramon non si tira indietro, e scrive di lui nel miglior stile surrealista, si fa "giocoliere della parola", si produce in "una raffica di lampi" per esaltare l'amico e se stesso. "L'arte è una nuova maniera di farneticare," dice, probabilmente pensando anche alla propria vita, giunta ormai alla fine, interamente consacrata alla scrittura "vincendo la monotonia, sia come sia, purché in forma originale e riuscita".

A cura di Elio Grazioli. Milano, Abscondita Ed. 2007, cm.10,5x19,5, pp.117, num.ill.bn.nt.e ft. brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Collana Miniature,59.

A cura di V. Andres, A. De Mondenard, L. Couvreur. Roma, 14 ottobre 2016-19 febbraio 2017. Musée Picasso Paris. Milano, Electa 2016, cm.23x31, pp.214, ill. brossura copertina figurata a colori. Nel vasto panorama delle pubblicazioni su Picasso, la monografia che accompagna la mostra romana costruisce un percorso originale attraverso la ricchezza del fondo di fotografie, opere d'arte e documenti del Musée national Picasso di Parigi. Si indagano ad esempio le inedite, prime esplorazioni (dal 1901) della fotografia sia come ispirazione da tradurre in pittura che come mezzo per documentare l'avanzamento delle sue opere.

A cura di Gianni Contessi. Traduzione di Irene Alessi Milano, Abscondita Ed. 2005, cm.13x22, pp.189, num.ill.bn.ft. brossura con bandelle, copertina figurata a colori. Collana Carte d'Artisti,61.

A cura di Georges Hugnet con una antologia di testi originali e traduzione a fronte. Introduzione di Tristan Tzara. Milano, Mondadori 1972, cm.11,5x19, pp.382, brossura copertina figurata a colori. Collana Oscar. Per Conoscere. A cura di Giampiero Posani.

Firenze, Mandragora 2013, cm.18x25, pp.208, illustrazioni in bianco e nero. brossura copertina figurata. Un libro per rendere omaggio all'insegnamento di Antonio Pinelli; pensato e realizzato da gruppo eterogeneo di studiosi, testimoni attraverso i propri saggi dell'importanza della storia dell'arte: un'attività politica finalizzata alla creazione di una consapevole partecipazione a una comunità, per condividere beni ereditati e trasmetterli arricchiti da un crescente livello di comprensione e conoscenza.

Florenze, Palazzo Strozzi, 2010-2011. Edited by M. Bradburne. Alias 2010, cm.15,5x22, pp.96, ill. legatura editoriale cartonata con sopraccoperta figurata a colori. Collana Conversation,4. La pubblicazione rende conto della conversazione avvenuta nel Laboratorio di restauro dell'Opificio delle pietre dure di Firenze alla quale hanno partecipato specialisti del restauro come Ezio Buzzegoli, Marco Ciatti, Chiara Rossi Scarzanella e Caterina Toso, gli storici dell'arte Carlo Falciani e Antonio Natali nonché, in veste di moderatori, Ludovica Sebregondi e James Bradburne. La discussione ruota intorno all'intervento di restauro su tre opere di Bronzino: Venere, Amore e Gelosia (o Invidia), Cristo crocifisso, Ritratto del nano Morgante ed è occasione per svelare dettagli imprevisti e curiosità su aspetti tecnici e non solo. Si conclude con un intervento del direttore del Laboratorio Marco Ciatti e con le schede di Carlo Falciani che presentano le tre opere in primo piano.

Firenze, Edifir 2020, cm.24x30, pp.372, ill. brossura copertina figurata. Collana Le Voci del museo. Collana di Museologia e Museogreafia.

A cura di Sandro Bellesi e Chiara Fiorini. Firenze, Polistampa 2022, cm.24x31, pp.104, illustrazioni in bianco e nero. brossura copertina figurata a colori. Testo Italiano e Inglese. Il catalogo si concentra sull'arte toscana tra il XVIII e il XIX secolo, un periodo attraversato da forti mutamenti politici e sociali, tra l'arrivo dei Lorena come Granduchi e la loro restaurazione in se-guito all'esperienza napoleonica, fino all'annessione al nascente Regno d'Italia.Sono riprodotte opere provenienti dalle collezioni della storica Galleria Marletta di Firenze, scelte secondo un ideale che vede nell'arte un motore di sviluppo, crescita e rinascita culturale.

Ospedaletto, Pacini Editore 2021, cm.24x30, pp.VII, 528, 280 illustrazioni in bianco e nero e a colori. brossura copertina figurata a colori. Collana Arte. "Non risulta affatto semplice illustrare con poche parole tutte le vicende, gli spostamenti, le lacerazioni che sottendono alla storia della collezione Piccolomini Spannocchi.Già dal nome si percepisce la novità riguardo allo stato degli studi: il rispetto per la storia, oltre all'identificazione di attestazioni documentarie, ci ha portato, infatti, a recuperare quello che effettivamente era il cognome della famiglia che possedeva questa singolare, straordinaria collezione, ovvero Piccolomini Spannocchi, poiché è dall'unione di queste due storiche casate che essa è nata.Dinamiche complesse e geografie dai percorsi tortuosi le hanno fatto prendere forma tra Sei e Settecento toccando le città di Mantova e Trento, prima di giungere fino a Siena.Dagli inizi dell'Ottocento poi, frazionamenti e scissioni hanno segnato la storia della collezione, sia prima che dopo la donazione alla Comunità Civica senese del 1835, e la complessità di tale contesto è oggi a pieno restituita dalle approfondite ricerche che qui si presentano, fortemente debitrici delle prime essenziali aperture di Anna Maria Ciaranfi e Gabriele Borghini, imprescindibili basi di partenza per lo studio e la valorizzazione della raccolta.Il fondamentale rinvenimento dell'archivio familiare conservato nel castello di Modanella presso Rapolano, fino ad oggi creduto disperso, ed il sistematico spoglio documentario hanno permesso di comprendere il percorso non lineare seguito dalle 165 opere riconosciute alla collezione, alcune delle quali mai poste finora direttamente in connessione con essa, ricostruendo l'iter che ne ha determinato il passaggio dalla sfera privata a quella pubblica..." I Curatori ("Offerire in dono a questa Comunità Civica la detta Quadreria ... in onor della Patria")

E altri saggi letterari. Traduzione d' Andrea D'Anna. Milano, Mondadori 1973, cm.14x21, pp.262, legatura editoriale con sovraccoperta figurata. Collana Saggi,54.

Interpretazione di L.M. Personé con ritratti di Silvana Lisi Bedarida. Firenze, Becocci Editore 1980, cm.21x21, pp.24 con tavole a colori. brossura con bandelle. Bandelle con scritto di Bino Sanminiatelli. Con biglietto da visita con dedica di Silvana Lisi Bedarida al critico d'arte fiorentino Tommaso Paloscia.

London, V&A Publications 2006, cm.25x33,5, pp.212, numerose illustraz. a colori nel testi, brossura, copertina figurata a colori. Testo Inglese. In this fascinating study Martin Kemp illuminates the most fundamental aspect of Leonardo's work - how he thought visually. The pages of his notebooks teem with ideas and are unparalleled in the graphic work of any other thinker from any age. Extraordinary images from a wide variety of sources, some virtually unknown, are illuminated by large-scale models and sequences of innovative computer graphics designed to animate his thoughts. Leonardo never lost his awe of the wonders of natural design and this ground-breaking book communicates a comparable sense of wonder through the continued grandeur and freshness of Leonardo's incomparable vision.

A cura di Chiara Betola. Pistoia, Gli Ori 2004, cm.12x18, pp.96, 29 illustrazioni bianco e nero e a colori nel testo, legatura editoriale cartonata. Testo Italiano e Inglese. L'ora X è il titolo del volume editato da Gli Ori che documenta il progetto artistico ideato da Giulio Paolini per gli spazi della Fondazione Querini Stampalia di Venezia (28 marzo - 30 maggio 2004). Si tratta di una riflessione sulla relazione che intercorre tra l'autore e la sua opera, tra l'Alfa come origine o figura iniziale e l'Omega in quanto istante ultimo della definizione o immagine finale dell'opera: un'indagine volta a scoprire quale e dove sia il momento originale. Protagonista della scena internazionale, Giulio Paolini nel corso della sua attività ha introdotto nuovi linguaggi in campo artistico. La sua opera, lo ricordiamo, ha determinato il forte cambiamento dell'arte negli anni Sessanta prefigurando, tra il 1960 e il 1965, la Minimal Art, l'Arte Povera e l'Arte Concettuale. Tra i campi problematici da lui aperti vi è l'"uscita" dal quadro, la separazione tra supporto e immagine, tra immagine e visualità, la dialettica dello sguardo, la perdita di autorialità da parte dell'artista, la posizione dell'osservatore, la decostruzione dei dispositivi di pittura e scultura, l'arte quale gioco linguistico.Il volume raccoglie i testi di Giorgio Busetto, Giulio Paolini e Chiara Bertola."L'ora X, il progetto pensato appositamentte per lo spazio della Fondazione Querini - si legge nel breve saggio di Chiara bertola, dal titolo Il pescatore di perle - è la nuova messa in scena del lavoro di Giulio Paolini. In tre espisodi distinti - Alfa (Un autore senza nome), Omega (Il corpo dell'opera), Capogiro (Lo sguardo dello spettatore) - l'artista racconta, ancora una volta, l'impossibilità di una definizione precisa per i tre soggetti al centro della scena: l'opera, l'autore e lo spettatore. Per rendere ancora più credibile la sua ipotesi, l'artista ha fornito ironicamente, quasi fosse un gioco, la formula matematica che aggiunge veridicità alla sua teoria; come se il problema dell'origine di un'opera d'arte o il rapporto tra autore e opera potesse essere risolto o esaurito scientificamente in una frazione matematica...".Il catalogo, corredato da una ricca documentazione fotografica e da note biografiche sull'artista, verrà presentato al pubblico nell'ambito di una tavola rotonda dedicata al tema del rapporto tra antico e contemporaneo, che si terrà venerdì 4 giugno 2004 alle ore 17 presso la stessa Fondazione che accoglie fino al 30 maggio l'esposizione. In quell'occasione, oltre all'artista, critici, curatori e letterati saranno invitati a riflettere sul profondo legame che, soprattutto in Italia, esiste tra esperienza creativa contemporanea e arte del passato, prospettiva preziosa che potrebbe essere un modello altrettanto unico e non omologato di pensare e lavorare con e nella contemporaneità.