Arte Pittura

Ferrara, Ferrara Arte 2003, cm.23x30, pp.438,centinaia di tavole a colori a piena pagina, legatura editoriale copertina figurata a colori. L'interesse di Degas per la figura umana, il suo audace senso della composizione, l'impiego di un tratto sicuro e la sperimentazione di numerose tecniche artistiche distinguono la sua arte da quella dei suoi colleghi impressionisti. L'insieme di queste caratteristiche ispirò alcuni pittori e scultori italiani che risiedevano a Parigi durante gli anni Settanta e Ottanta dell'Ottocento. Tra questi Giovanni Boldini, Federico Zandomeneghi, Giuseppe de Nittis e Medardo Rosso. Questa mostra, la prima dedicata allo studio delle relazioni tra Degas e questi artisti italiani, indaga su un episodio importante della scena parigina di fine Ottocento e si propone di aprire nuove e interessanti prospettive sull'arte del periodo. La rassegna sarà composta di circa settanta opere - olii, pastelli, disegni, stampe e sculture - di cui circa la metà di Degas e circa dieci per ciascun artista italiano. Ciascuno di loro rispose in maniera propria e originale all'arte del grande maestro francese: mentre Zandomeneghi e De Nittis si dedicarono perlopiù ai temi urbani di vita moderna dipinti da Degas, Boldini condivise soprattutto il suo interesse per la figura umana e per la grande arte del passato. Tutti loro seguirono l'esempio del maestro nella tecnica del pastello e dell'incisione. Per quanto riguarda la scultura, la mostra si occuperà dell'affascinante relazione, ancora inesplorata, tra le figure in cera del francese e le radicali innovazioni apportate da Medardo Rosso nella modellazione della cera e del gesso. Accompagnerà la rassegna un catalogo approfondito con saggi, schede esaustive e tavole a colori di tutte le opere.

Ferrara-Palazzo dei Diamanti.17 Marzo-16 Giugno 1996. Ferrara, Ferrara Arte 1996, cm.23x30, pp.348,centinaia di tavole bn.e a colori nel testo, brossura con copertina figurata a colori. Ferrara, Palazzo dei Diamanti, 17 marzo - 16 giugno 1996 In questi anni in cui in Italia si è riscoperto di tutto, la mancata attenzione per un artista del livello di Klinger - straordinario incisore, scultore di grande forza e originalità, meno grande come pittore, ma capace anche in questo campo di esiti talvolta notevoli - mi è parsa una lacuna grave. E ciò a maggior ragione perché una parte della sua vita e della sua opera hanno avuto per teatro e per fonte d'ispirazione l'Italia. Ma c'è anche una seconda ragione. Riguarda l'influenza che la visionarietà, l'oniricità e il magico quotidiano, che rappresentano i tratti salienti e originali della migliore arte di Klinger, quelli che gli garantiscono una pagina a sé nel gran libro della storia dell'arte, hanno avuto sull'avanguardia pittorica più importante dell'Italia del nostro secolo: la Pittura Metafisica. Furono Klinger e Böcklin, infatti, a far compiere a De Chirico il primo passo verso un territorio inesplorato, popolato di apparizioni oniriche, visionarie, magiche, mitologiche. Più ancorate alla realtà quotidiana, in Böcklin; più libere e fantastiche, negli esiti più avanzati dell'arte di Klinger. Senza quel primo decisivo passo, non so se sarebbe venuto quello successivo, di cui De Chirico prima e più di ogni altro fu capace: trasferire quelle visioni fuori dalla realtà, dal tempo, dalla storia e dal mito, che pure all'inizio le avevano ispirate.

Venezia, Palazzo Grassi,2002. A cura di S.Lemoine. Prefazione di C.Annibaldi. Milano, Bompiani Ed. 2002, cm.22x30,5, pp.567, centinaia di ill.bn.e col.nt., biogr.degli artisti,+Catal.delle Esposiz.di P.Puvis de Chavannes,1850-1904. Legatura editoriale in t.tela, con sopraccoperta figurata a colori. Il catalogo della mostra a Palazzo Grassi inquadra la storia dell'arte del XX secolo in una nuova, inedita prospettiva. Legata alla fine del secolo precedente, l'arte moderna non è vista come momento di rottura con il passato recente, né come logica conseguenza dell'impressionismo e della pittura di Cézanne. L'espressione pittorica e plastica del Novecento viene ricondotta all'opera di un pittore francese, Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898), che nei dipinti murali come nei quadri da cavalletto, inventò uno stile plastico totalmente nuovo e al tempo stesso fondato sulla tradizione. Le sue composizioni influenzarono tutti i contemporanei e intere generazioni di artisti successivi, tra i quali Seurat, Gauguin, Cezanne.

Museo Archeologico Nazionale di Napoli, 2002, 2003. A cura di Eduardo Cicelyn e Mario Codognato. Napoli, Electa 2002, cm.31x37, Pagine non numerate circa 250. legatura editoriale cartonata con sopraccoperta figurata a colori. Stampato su carta Ikonofix Matt Zanders e Arches Arjo Wiggins. Il volume è il catalogo della mostra (Napoli, Museo Archeologico Nazionale, 5 ottobre 2002 - 15 gennaio 2003), una retrospettiva di Francesco Clemente, tra gli artisti italiani più celebrati all'estero. Nato e vissuto a Napoli fino al 1970, la sua vicenda artistica si snoda tra Roma, India e Stati Uniti. Attualmente vive e lavora a New York. Dalla fine degli anni Settanta è protagonista della Transavanguardia.

New York, Editions Abbeville 1996, cm.10,5x11, pp.288, illustrazione brossura con copertina figurata a colori.

Modern Art Press 2025, cm.22x27,5, pp.164 illustrato a colori. legatura editoriale in tutta tela. In 1985, King Charles III, then Prince of Wales, asked the painter John Ward to accompany him on an official tour to Italy to make an artistic record of the visit. In so doing, he began an inspiring tradition that celebrates its fortieth anniversary in 2025, with forty-two different artists having accompanied the King on sixty-nine official tours to ninety-five different countries worldwide. This book relates the extraordinary stories of these visits and celebrates the work of the tour artists. Their recollections are revealed in a series of individual interviews, and their anecdotes, personal reflections and glimpses behind the scenes provide a fascinating insight into the unique essence of life on a royal tour. The book is both a celebration of the King’s initiative to support and encourage artists and a unique and compelling account of this very special royal tradition. Sumptuously illustrated with some of the many hundreds of works produced by artists who were inspired by the King’s generosity and his unswerving commitment to the arts, the book honours the power of an artist to record what a photograph never can, in the incomparable setting of a royal tour. Published in association with Royal Collection Trust

Roma, Pal.di Venezia,6/3-1/5/1999. A cura di S.Cassiani, P.Rivazio. Napoli, Electa Napoli 1999, cm.25x28, pp.203, numerose illustrazioni e tavole bn.e a colori nel testo, brossura copertina figurata a colori.

London, Pavilion - Anova Books Group Limited 1989, cm.25,5x35, pp.96, illustrazioni in bianco e nero e a colori, tavole in bianco e nero e a colori. legatura editoriale cartonata con sopraccoperta figurata a colori. Testo Inglese.

Milano, Five Continents Editions 2006, cm.25x29, pp.291, 205 illustrazioni a colori, 205 tavole a colori. legatura editoriale cartonata, copertina figurata a colori, Testo Francese. La formazione artistica di Charles Gleyre (1808-1874) avviene prima nell'atelier di Louis Hersent a Parigi, e successivamente è perfezionata con gli studi presso l'École des Beaux-Arts. Nel 1828 si reca a Roma dove frequenta abitualmente la cerchia di Horace Vernet all'Accademia di Francia. Nel 1838, Gleyre parte per un viaggio nel bacino mediterraneo (Sicilia, Malta, Corfu, Albania, Turchia, Grecia, Egitto e Libano) come disegnatore al servizio di un ricco industriale americano, John Lowell Jr. Nel 1840, di ritorno a Parigi dopo un'assenza di quasi dieci anni, partecipa alla decorazione del castello di Dampierre diretta dal grande pittore classicista Jean-Auguste-Dominique Ingres. Nel 1843, il suo dipinto ta Sera o Le illusioni perdute (Parigi, Musée du Louvre) s'impone al Salon e diventa l'icona di tutta una generazione. Grazie a questo successo, Gleyre entra nell'atelier del pittore Paul Delaroche dove insegnerà fino al 1870 e dove accoglierà, tra gli altri, i futuri impressionisti Bazille, Monet, Renoir, Sisley. Durante il decennio 1850-1860, stringe amicizia con alcune delle personalità più importanti in campo letterario e artistico, tra gli altri Gustave Flaubert, Alfred de Musset e Maxime Du Camp. Nel 1871, durante la guerra franco-tedesca, si rifugia in Svizzera. Torna a Parigi nel 1872 città nella quale morirà nel 1874, lasciando sul suo cavalletto uno schizzo sul tema del Paradiso terrestre.

Washington, National Gallery of Art, 26 set. - 11 nov. 1990; Toronto, Art Gallery of Ontario, 19 dic. 1990 - 27 gen. 1991. Venezia Marsilio Editori 1990, cm.21x29, pp.110,(6), numerose tavv. a colori nt., brossura, copertina figurata a colori.

Un pittore senese della leggenda francescana. Prima traduzione italiana dall'originale inglese a cura di Achille Malavasi. Firenze, Electa Editrice 1946, cm.25,5x33, pp.128, 52 tavole bn. nel testo, legatura editoriale in cartone con titoli in oro al piatto anteriore e dorso. Edizione numerata in 840 esemplari, in ns.è il n685

Milano, Five Continents Editions 2005, cm.17x24, pp.80, illustrazioni. legatura editoriale cartonata. Collana Galleria delle Arti. Oscar Ghiglia (1876-1945), pittore livornese gravitante fra la sua città d'origine, Firenze e Castiglioncello, concilia la comprensione profonda della lezione pittorica di Giovanni Fattori e lo scarto fra la provincia macchiaiola e la Francia già cézanniana. Su tale alchimia si fondano le ragioni dell'odierno interesse. Sarà infatti l'apertura del pittore oltre che a Cézanne, a Van Gogh e Medardo Rosso, collezionati dall'amico Gustavo Sforni, e al sintetismo dei Nabis, a generare la presa di coscienza della propria autonomia dal linguaggio ottocentesco e toscano. Tentando in questi anni di rivivere "sulla propria pelle" l'esperienza di Fattori, Ghiglia la traduce, attraverso la propria visione interiore, in linguaggio novecentesco.

The Museum of Modern Art,New York 1980. A cura di W.Rubin. Introduzione di W.Rubin Traduzione di D.Bigalli. Milano, Rizzoli 1980, cm.23,5x27,5, pp.464, centinaia di illustrazioni bn.e a colori con sopraccoperta, legatura editoriale in tutta tela,sopraccoperta.

Padova, 27 settembre 2003-8 febbraio 2004. Venezia, Marsilio 2003, cm.21x28,5, pp.335, brossura copertina figurata a colori. Il volume è il catalogo della mostra di Padova (Palazzo Zabarella, 27 settembre 2003 - 8 febbraio 2004). Il periodo preso in considerazione da Fernando Mazzocca, storico dell'arte alla Statale di Milano, e Carlo Sisi, direttore della Galleria d'arte moderna di Palazzo Pitti, va dal 1848, anno della prima guerra di indipendenza, al 1870, anno in cui Roma viene ricongiunta all'Italia unita. Un'epoca ricca di speranze, e ancor più di fermenti, di voglia di nuovo, di necessità di rompere con l'autorità della tradizione. Di questo clima i Macchiaioli furono i protagonisti e di esso seppero dare un'altissima testimonianza nella loro pittura.

16 Febbraio - 26 Maggio GAM Torino Torino GAM 2002, cm.24x28, pp174, brossura con copertina figurata a colori.

London, Philip Wilson Publishers Limited 2005, cm.24x29, pp.342, legatura editoriale cartonata con sopraccoperta figurata a colori. Testo Inglese.

Prefazione di Roar Hauglid. Introduzione di Louis Grodecky. Pubblicato dalla New York Graphic Society in collaborazione con l'UNESCO. Milano, "Silvana" Editoriale d'Arte 1955, cm.34x48, pp.32, XXXII tavole a colori fuori testo e alcune figure e, tavv. in bianco e nero nel testo legatura editoriale in mezza tela. Collezione UNESCO dell'Arte Mondiale. Ex libris.

Milano, Abscondita 2023, cm.15,5x22, pp.176, illustrazioni. brossura copertina figurata a colori. Collana Album,2. 1907. Maddalena Carmen Frieda Kahlo Calderón nasce il 6 luglio a Coyoacàn, un sobborgo di Città del Messico, da Wilhelm Kahlo, un ebreo tedesco emigrato in Messico, e da Matilde Calderón y Gonzàlez. Ha due sorelle, Matilde e Adriana, e la terza, Cristina, nascerà l'anno dopo. Così la stessa Kahlo parla dei propri genitori e dei suoi primi anni di vita: «Nacqui a Coyoacán, all'angolo fra Londres e Allende. I miei genitori comprarono un terreno che faceva parte del podere di El Carmen e lì edificarono la loro casa. Mia madre era la maggiore dei dodici figli che ebbero i miei nonni, la spagnola Isabel, figlia di un generale, e Antonio, un indigeno di Morelia, Michoacán. Mia nonna e sua sorella Cristina avevano studiato nel convento delle suore Biscagline, dove furono accolte alla morte del generale. Di lì Isabel uscì per sposare Antonio Calderón, fotografo di professione che faceva dagherrotipi. Ricordo che a mia madre non mancò mai niente: nel suo comò c'erano sempre cinque pesos d'argento. Era una donna bassina, dagli occhi molto belli, dalla bocca sottile, scura. Era come una campanella di Oaxaca. Era nata a Città del Messico. Quando andava al mercato si stringeva con grazia la cintura e portava con fare civettuolo la sua cesta. Molto simpatica, attiva, intelligente. Non sapeva né leggere né scrivere, sapeva solo contare il denaro. Mia madre era amica delle comari, dei bambini e delle vecchie che venivano in casa nostra a dire il rosario...».

Firenze, Villa Bardini, 2021. A cura di Fabio Benzi. Montecatini Terme, Maschietto Editore 2021, cm.23x26, pp.280, 200 illustrazioni a colori. brossura copertina figurata a colori. Il volume, con più di duecento immagini, racconta l'opera di Galileo Chini, dalla formazione come decoratore a Firenze al viaggio in Siam, dalle esposizioni internazionali al ritiro in Versilia degli ultimi anni.Chini opera accanto alle avanguardie del Novecento, senza mai aderirvi, ma sviluppando un linguaggio personale, erede della tradizione rinascimentale e in stretto rapporto con quello che accadeva nel resto d'Europa: le opere di Beardsley, Bonnard, De Morgan, Klinger, presentate accanto a quelle di Chini, mostrano come questi si inserisse nel contesto internazionale di quegli anni, in continuo dialogo con le Secessioni mitteleuropee e gli Arts and crafts inglesi.Al testo di Fabio Benzi si affiancano saggi di Manuel Barrese, Sibilla Panerai e Francesco Parisi, che prendono in esame l'opera grafica di Chini, il suo lavoro di decoratore e di scenografo, e la storia della manifattura da lui fondata, l'Arte della Ceramica.

Paris, Galerie Gaubert, 3/10-21/12/1973. A cura di Philippe Jullian. Paris, Galerie Gaubert 1973, cm.19x28, pp.112, 78 ill.bn.ft, legatura editoriale copertina figurata a. a colori.

Fondaz.Mazzotta, 3/10/1999-23/1/2000. A cura di Magdalena M.Moeller. Milano, Mazzotta Ed. 1999, cm.24x30, pp.214, 165 figg.bn.e col.nt. brossura copertina figurata a colori. Si tratta del catalogo dell'esposizione di Milano (Fondazione Antonio Mazzotta, 3 ottobre 1999 - 23 gennaio 2000). Un'occasione per vedere lo stile della Brucke in tutte le sue tecniche, dal dipinto alla grafica, nei suoi soggetti preferiti e soprattutto in quella osmosi tra vita ed arte che è la caratteristica principale del gruppo. Viene presentata la collezione del Brucke-Museum di Berlino: una selezione di 165 opere, dalla formazione nell'estate del 1905 alla delineazione del vero stile Brucke (1909-10), fino allo sviluppo autonomo delle singole personalità con lo scioglimento del gruppo nel 1913.

Verona, Galleria dello Scudo, 6 Dicembre 1992- 31 Gennaio 1993. A cura di Renato Barilli. Milano, Edizioni Gabriele Mazzotta 1992, cm.24,5x28,5, pp.238, illustrazioni. legatura editoriale in tutta tela. Copertina figurata a colori. Collana Grandi Mostre. Il catalogo reca un fondamentale contributo di Renato Barilli ed è arricchito dai testi di Luigi Meneghelli e di Giuseppe Pontiggia, dedicati rispettivamente al linguaggio e alla personalità di Salvo, i cui rapporti più che ventennali con l'ambiente culturale tedesco sono sintetizzati nell'intervento del noto mercante d'arte Paul Maenz. Completano il volume un'autobiografia e il trattato "Della pittura" in cui nel 1980, l'artista ha raccolto il suo pensiero.

A cura di Daniele Benati, Lucia Peruzzi. Modena, Franco Cosimo Panini Ed. 2005, cm.21x29,5, pp.286, numerose illustrazioni bn.e a colori nel testo , brossura copertina figurata a colori.

Prefazione di André Grabar. Introduzione di Krsto Mijatev. Milano, Silvana Editoriale d'Arte 1964, cm.34x48, pp.28, 32 tavole a colori fuori testo , legatura editoriale in mz.tela, titoli al piatto anteriore e al dorso. Pubblicaz. della New York Graphic Society in collaborazione con l'Unesco. Collezione Unesco dell'Arte Mondiale.